Já há um tempo ventilava-se mudanças no Instagram e esta semana elas entrarão em funcionamento. Trata-se de uma mudança no algoritmo para que, tal qual no Facebook (rede social que comprou o Instagram e efetivou estas mudanças), a linha de tempo do usuário seja organizada por "relevância" e não mais por ordem cronológica. O que está por trás disso é claro: Money. Bufunfa. Dinaro. O plano é que o usuário - que poderá ter seu conteúdo escondido (ou esmagado) pelo conteúdo de outras pessoas mais relevantes - passe a pagar ao aplicativo para que ele dê mais destaque ao seu conteúdo na timeline dos outros. Sendo você uma marca ou apenas uma pessoa vaidosa, mesmo tendo construído uma base de audiência, não necessariamente alcançará ela toda sempre e escolherá se deseja "promover" aquela postagem pagando para que ela chegue a todos os seus seguidores.

O que provavelmente acontecerá no Instagram é um cenário com muita marca lutando pra manter tudo que "conquistou", muito consumidor tendo que re-adaptar seus costumes de consumo de conteúdo (indo até ele), muita marca E consumidor migrando para o Twitter ou uma nova rede social que não esteja andando pra trás nessa questão de distribuição de conteúdo (mas que provavelmente algum dia irá, pois... dinheiro) e também quem fala "ah, foda-se isso, então" e vai procurar outra coisa pra fazer.

Mas este não é um site sobre mídias sociais, logo isso não importa muito para o nosso Brainstorm. O que importa é a repetibilidade dessas coisas. Não é a primeira vez que isso acontece. Aconteceu com o próprio Facebook. O Twitter ensaiou fazer o mesmo, mas segurou a onda por causa da vocal resposta contra de seus usuários (muitos assíduos exatamente porque ficaram desgostosos com o Facebook pós novo algoritmo). E tudo certo: é um serviço gratuito; quem não gostar, não usa. Mas é interessante e irônico reparar aquela velha história: o revolucionário de hoje é o reacionário de amanhã.

O sucesso inicial do Facebook (e todas as mídias sociais, na verdade) na revolução do 2.0 da internet aconteceu exatamente porque, diferente da galera 1.0 (Orkut, por exemplo) fez o conteúdo chegar até você. Agora, ele volta atrás e basicamente está forçando as pessoas que querem ver X, ir atrás do X. Pra mim isso não é bom ou ruim; é um pouco dos dois. Do ponto de vista da empresa pode ser ótimo; faz a comunicação ser direta, você sabe que a pulverização é muito menor do que naqueles tiros de canhão engessados da publicidade/comunicação tradicional, que é aferida por pesquisa e mil coisas que dão um desenho muito turvo. As mídias sociais são diretas, você sabe em tempo real a quantidade de pessoas que recebe e interage com o que você comunica. Do consumidor idem; você escolhe o que quer ver, minimizando as coisas que não te interessam e enfiam na sua goela abaixo nos meios antigos. Porém, também pode ser ruim para ambos; para a empresa ficou tudo mais complicado, mensurar o retorno passou a ser mais complexo e para o consumidor minimizou-se a chance de ver coisas novas "out of nowhere", pois seu algoritmo fica puxando sempre o mesmo tipo de assunto/ponto-de-vista e acredito que, meio nesse campo, tem criado pessoas intolerantes e burras, pois ficam numa caixa de eco fundamentalista sem a benesse do contraponto. Também acho que tornou a todos um pouco preguiçoso no discernimento e sem discernimento nas ações. Como tudo chega à nós, não pesquisamos, não avaliamos a veracidade dos conteúdos e confundimos o virtual com o real, achando que somos curadores da vida via compartilhamento/share/retweet/reblog, achando que presença digital via likes/comentários = amizade.

E antes do Facebook, aconteceu com a arte em geral (e analisando o mecanismo, mil outras coisas). A primeira vez que usaram a palavra "arte" era para significar algo diferente do que entendemos por arte. Sim, o fenômeno é o mesmo; atividades como pinturas, esculturas e músicas e peças de teatro. Mas a coisa em si não existe mais desde o início da era da reprodutibilidade técnica. O consumidor se deslocava até a obra de arte (fosse ela uma pintura ou uma escultura num museu, castelo, Igreja ou o que for, fosse uma peça num teatro ou músico cantando em algum lugar) e tinha uma experiência ÚNICA que nunca poderia ser repetida. Pro bem ou pro mal. O cara na guerra enlouquecia, pois, com 1 ano longe, ele já nem lembrava como eram as feiçoes do seu filho. Então, alguém pensou "poxa, imagina se eu pudesse ver essa imagem/ouvir esse som sempre que eu quisesse?" e assim surgiu a fotografia, a fonografia e os meios de comunicação foram conectando mais pessoas e, sem querer, no meio disso tudo, essa experiência que chamavam "arte" tornou-se impossível; foi extinta. O conteúdo passou a chegar até a pessoa em sua casa, na sua caixa de correspondência, na sua timeline. O conteúdo ia até a pessoa e não o contrário. Por isso, hoje "reconhecemos" a Monalisa. E a Torre Eifel. E a música de Natal da Simone. Já não temos mais como nos surpreender da mesma forma com essas coisas e mesmo quando as consumimos sem saber muito sobre ela, conseguimos imaginar mais ou menos do que se trata e, tão logo a consumimos, fazemos um repeteco, levando pra casa a reprodução fotográfica, o mp3 ou o DVD. Para vermos, revermos e normalizarmos aquilo.

É um traço da nossa humanidade: nós tentamos potencializar alguns aspectos e, com isso, estragamos o que gostávamos. É o perigo (e o charme) da ganância, o único dos pecados que não é 100% condenável, mas que via de regra corrompe a porra toda. A serpente em si.

Minha sugestão como exercício de Brainstorm é, tendo exposto isso tudo, você tentar pensar alguma coisa, qualquer coisa, que acaba por virar um sucesso, mas que os próprios méritos deste sucesso traiam o propósito de ser da empreitada, que sucumbe e passa a fazer exatamente o contrário do que pregava quando se lançou como "diferente". O filho que matou o pai apenas para tornar-se o próprio. A falência da instituição que, por ser instituição e precisar se perpetuar, se vê obrigada a agir contra a sua razão de ser, contra os princípios de sua constituição (ex: a Academia Brasileira de Letras nomeando Sarneys e afins para "sobreviver", mas fugindo o propósito inicial da coisa... vale mais a pena morrer ou viver na lama?). Gere sua história através deste exercício de contradição proporcionado pela ganância. TODA benção pode ser uma maldição. O sujeito sonhava com água no deserto, mas de repente chuveu muito e inundou a porra toda e agora ele tem que tentar não se afogar.

Qual conquista pode ser exacerbada e se tornar um retrocesso? Que "heroi" pode ter tanto sucesso que passa a ser "vilão"? Olhe coisas e assuntos interessantes e seja um filho da puta que pensa em como o ser humano estragaria aquilo apenas por ser humano. (Mas tudo bem porque no final das contas você tá fazendo isso como forma de reflexão para que a humanidade não cometa esses erros, então no fim das contas você é um cara empático e o verdadeiro heroi dessa história! Uhu! Viva você! Mas cuidado pra não subir à cabeça, porque senão já sabe, né?)

É inegável a excelência, a importância e a eficácia do trabalho político-estratégico da ANCINE no que tange o aumento do número de produções e mecanismos de difusão de obras audiovisuais brasileiras. A chamada "Lei da TV Paga" (Lei 12.485) é um marco incrível que no ano passado e neste se fez sentida em larga escala e promete ser continuamente um importante incentivador do mercado e junto a famigerada "Lei Rouanet" (Lei 8.313) - incompreendida por 99% da população, que a pegou, injustamente, para cristo - vem sendo inteligentemente usada para a formação de público e, assim, a criação de uma indústria. O Fundo Setorial do Audiovisual, então, foi um enorme alento, especialmente quando se deu conta que o bom dinheiro investido é lá atrás, no roteiro. Que um roteiro com boa nota de partida faz o projeto se construir numa base sólida, com mais chance de não desmoronar.

Ainda bastante recente, o Fundo Setorial em seus mecanismos de Desenvolvimento de Projetos (PRODAV) tem, claro, ajustes naturais a serem feitos quanto ao escopo, processo e até mesmo conceito, eu acho. É a minha opinião como profissional do setor e cidadão brasileiro. No entanto, tem uma coisa boba, "menor" que isso, mas que, como criativo, roteirista e, portanto, participante/pleiteante (às vezes) destas chamadas públicas, muito mais me incomoda: os parâmetros das avaliações dos projetos.

Não por parte dos parecistas avaliadores, mas da concepção do documento mesmo. Acho uma proposta mal feita; inócua, desconectada com a realidade do desenvolvimento de um projeto. São algumas coisas que acho que mereciam serem repensadas:

• Incongruência de espírito 

Supostamente estas chamadas públicas são para o desenvolvimento de um projeto, mas se sua obra for uma série, por exemplo, terá que ser apresentada a sinopse de, no mínimo, 5 episódios. Claro, você pode escrever de qualquer jeito, mas o fato é que o criador/showrunner só saberá exatamente o que vai acontecer em cada episódio quando tiver "desenvolvendo" a série. Nesse momento é um chute no escuro que pode acabar jogando contra, pois o parecista poderá considerar que não estava tão desenvolvido quanto o projeto de outra pessoa, afinal, é assim, através de comparações, que avaliamos as coisas. E aí como fica o espírito da proposta desse mecanismo? Desenvolvimento! O ideal era vender a idéia apenas via premissa, tema de fundo, logline e descrição dos personagens. O básico para se entender o ponto de partida, mas...

• Gabarito

Há um problema sério que pode ser apontado como falta de lisura no processo, mas acho que é puramente porque ninguém pensou nisso; falta a disponibilização de um "gabarito", uma espécie de "projeto perfeito", através do qual não só os proponentes possam se guiar e abalizar sua inscrição, como os parecistas possam também abalizar sua avaliação destes projetos. Porque não há padronização/consenso dentre os parecistas. Isto é um fato (e não é culpa deles e sim da falta desta indicação da própria ANCINE) que pude comprovar ano passado quando fui contratado por uma produtora para analisar a carta de projetos que eles iam inscrever e uniformizá-los de acordo com a chamada pública. Para fazer isso, peguei pareceres destes projetos que haviam sido inscritos em outros anos e tinham boas avaliações em uns quesitos e noutros nem tanto. Passei a fazer um trabalho de detetive, de cruzar os pareceres e percebi que, por exemplo, o que constava como "incorreto" no parecer de um projeto, constava como "correto" em outro. Os quesitos-chave desta confusão são logo os dois primeiros: "Premissa e Tema de fundo" e "Enredo-base".

Para nós roteiristas, premissa é plot. É o que acontece. Não necessariamente do início ao fim do seu roteiro, mas, pelo menos, os fatos que põem a mudança em movimento e o quê isso vai causar para nossos personagens. Setup, Catalyst, Fun and Games SEMPRE. Se possível Midpoint, All is Lost e Finale. Já tema de fundo é o tema que aquela sequência de casos/ações na vida do personagem vai espelhar e/ou a discussão à qual pertencem as ações/casos da obra.  Premissa é o quê e Tema de fundo é por que.

Até aí, tudo certo, né? O problema é que logo depois tem um quesito chamado "Enredo-base e previsão de desfecho, com tom e gênero dramático pretendidos" que é uma redundância do que estabeleci como Premissa ali em cima, certo?

Fosse só a redundância já seria complicado, mas a compreensão do o que é o quê fica ainda mais complicada, quando lembrarmos que, em Lógica, o significado de Premissa é diferente e muitas vezes esbarra no Tema de fundo, já que ela é definida como "a base para um raciocínio". Então, é lógico(ha!); o que acontece com o personagem (e em roteiro entende-se como premissa) é reflexo do tema/raciocínio que se quer provar ou refutar e não a base dele, não a gênese do que se quer ser discutido. Sendo bem didático: você conta a história do Fulano pra discutir X; você não discute X pra contar a história do Fulano. Claro, o processo pode acabar sendo esse, de trás pra frente, porque você não conseguiu articular o raciocínio (matéria abstrata), mas a verdade é que ele veio primeiro. É um processo inconsciente e é exatamente por causa dele que você criou a história do Fulano, pra codificar a discussão/tema que te intriga à uma esfera que possa ser apreciada, consumida e discutida por outros.

Quando do meu trabalho de detetive, um parecer falava num quesito apontando X como tema de fundo e elogiando o mesmo e, depois, num outro quesito reclamava que o tema de fundo não se via refletido no argumento. Só que apontando Y como tema de fundo desta vez (e não X, como fizera anteriormente).

Enfim, a conclusão desta discussão semântica é indeterminada, mas se tornaria irrelevante para a matéria em questão se a ANCINE fizesse esta simples (e importantíssima para todas as partes!) inclusão de um gabarito, um projeto-modelo (real ou não) para que se entenda o que se espera em cada quesito e, assim, as avaliações sejam ainda mais justas.

• Ordem dos quesitos

Minha última observação sobre estes documentos versa sobre a ordem dos quesitos. Bobagem, né? Mas já que estou aqui escrevendo isso...

O logline tem que ser a primeira coisa do documento. Pro parecista é um atalho para o entendimento do projeto e um lembrete rápido quando tiver esquecendo do que se trata o mesmo. Pro roteirista é a primeira coisa que ele faz, é a primeira linha de ordem entre o abstrato e o real, a primeira vez que ele coloca seus sentimentos em um código entendível. Logo, não faz sentido você ter "Tema de Fundo e Premissa", depois "Enredo-base", e, só depois, Logline. No início tem alguma utilidade, no final zero. Verdade absoluta disto que estou dizendo é: adivinha qual é a primeira coisa que vem no parecer final? Ele mesmo, o Logline. Logo abaixo do título do projeto.

Sou um grande incentivador de se focar no que há de bom, especialmente como no caso da ANCINE, que, reitero, ao contrário do que o público leigo pensa, faz um trabalho acima da média (especialmente quando você compara com outros orgãos governamentais), mas faz tempo que comento isso com outros colegas roteiristas (que também não são fãs do processo) e achei legal expandir a reflexão pra possíveis outros roteiristas da minha área de contato virtual que se interessem em debater o tema. Então, assim fiz. E você; o que acha?

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Roteirista de comédia, de drama, de musical, de aventura, etc.
Existe especialista ou tem que saber tudo?

Carlos Muniz

Fala, Muniz!

Drama e Comédia são faces da mesma moeda. Uma obra de comédia não é riso o tempo todo - pelo contrário! - comédia vem da dor. Então, o roteirista de comédia tem que saber drama. Já no drama, se o roteiro for sério o tempo todo, fudeu: a comédia é a vaselina que abre espaço pra faca do drama deslizar e cortar mais profundamente. E a aventura? Com mais ou menos peso, ela é sempre a força motriz de um filme, independente de ser comédia ou não. É um fato diferente que vai quebrar o mundo comum do protagonista e catapultá-lo numa realidade nova, ou seja, uma aventura. No final das contas é tudo meio encadeado, percebe?

O que é comum a todos os gêneros e está, na real, ACIMA desta discussão é algo que é o gerador, o motor de todas as histórias: o conflito. Esse todo roteirista tem que entender. A forma como você vai desdobrá-lo é que é o gênero e, no final das contas, tanto faz; é uma escolha. Você pode desdobrar o conflito de um monstro que entra na sua vida e não sai mais por conta das suas próprias pequenas corrupções/pecados num filme de comédia ("The Cable Guy"), de drama ("Fatal Attraction") ou de aventura ("Jurassic Park").

Claro que há algumas especificidades em filmes musicais, alguns "costumes"/tradições em westerns etc. e tal. Mas eles são opcionais. Não é porque o filme se passa no "Velho Oeste", que ele tem que ser Western ("100 ways to die in the West"). Tampouco não ser um western só por que se passa no espaço no ano 2517 ("Serenity"). E ainda tem os que dizem que esses que citei são "híbridos de gênero", o que não está errado, mas vai virar uma discussão entre sintaxe e semântica cinematográfica.

O que estou querendo dizer é que "gênero" é um rótulo que colocamos pra entender/categorizar/vender algo. O conflito vem antes de tudo isso; ele que define este rótulo e, se você entende este conflito, você sabe fazê-lo no gênero que ele pede. Portanto, a questão do "especialista" vem muito mais como elemento de marketing/venda por produtores (e também via os próprios roteiristas) que OU usam este título pra poder (se) vender com mais efeito (leia-se $$$) OU tem pouca confiança/conhecimento na hora de (se) reconhecer (como) um bom roteirista/escritor, porque o bom roteirista escreve qualquer gênero que sair de um conflito que ele entende e lhe intriga.

Thanks, Partner!

Por acaso vi isoladamente uma cena de "Vinyl", a nova série da HBO produzida pelo Martin Scorcese Terrence Winter e Mick Jagger e nela (representada no post pela captura de tela acima) acontecia uma coisa interessante que achei que valia um post.

Na cena, um personagem tocava uma guitarra (a lendária Telecaster blonde com escudo preto, que você comumente vê nos braços de Keith Richards, Bruce Springsteen e mil outros) numa loja de instrumentos musicais, quando ele pergunta para o vendedor se ele tem aquela mesma guitarra só que com o braço em "Rosewood. O vendedor - que não é um personagem fixo, não tem backstory, "personalidade" etc. - diz que vai ver no estoque e, assim que sai dali e o deixa sozinho, o guitarrista rouba a guitarra e sai correndo da loja.

Qual o problema desta cena? Pra maioria das pessoas nenhum. Parecerá tudo bem. Mas, para pouquíssimos aficcionados, há um. Eu explico: os braços de guitarra costumam ser feito de dois tipos de madeira. Tem o "Rosewood", uma madeira escura, e o "Maple", uma madeira mais clara. Cada uma confere uma sonoridade própria. Só que, é sabido, aquela guitarra específica, a Telecaster Blonde, amarelinha com o escudo preto, NÃO existe em "rosewood". Assim, claro que existe - porque tudo existe, né? Se você procurar no Google vai achar fotos - mas só existe enquanto "customização". A Fender, fabricante da Telecaster, nunca lançou em série, muito menos nos anos 1970, época na qual se passa "Vinyl" e o modelo de guitarra fazia aniversário de apenas 20 anos. O motivo é bem claro, basta você digitar Telecaster Blonde que você vai ver... essa guitarra, com essa pintura, foi feita pra ser em maple. O braço em rosewood fica muito feio, não combina. Enfim... a reação de um vendedor que vive daquilo seria imediata: não, claro que não, esse modelo com essa pintura não existe em rosewood.

Por que isso vale post? Porque acho que suscita uma pergunta (à qual não tenho resposta certa, então isso aqui vai ser um convite à reflexão mais do que qualquer coisa): quanto específico o roteirista deve ser em seu roteiro?

Como leitor acho um saco roteiros que são super detalhistas em tudo. Atrasa e distrai da apreciação do que é realmente o que buscamos nos roteiros: as ações e transformações dos personagens. O roteiro é uma peça técnica que todos os profissionais envolvidos lerão para transformar aqueles códigos em imagens e ações que vão despertar emoções nas pessoas. O nível de detalhe em "Fulano entra no seu carro, um FIAT TEMPRA 1998 COM RODA DE ARO 23, LUZ DE NEON e ADESIVOS do BOTAFOGO" não causará nenhum efeito prático nessa busca por emoções. A não ser num botafoguense carente. O diretor de arte preguiçoso achará ótimo porque na correria ele tá mesmo é procurando as palavras em caixa alta, mas é até condescente da parte do roteirista fazer isso com o bom profissional, que tem também que criar no que lhe cabe.

É verdade que, neste caso específico, tivesse o roteirista especificado a guitarra, não haveria esse problema. No entanto, além de como disse acima, seria condescendente com os outros profissionais e desgastante para o roteirista e pro leitor se toda vez que encontrássemos algo que pudesse proporcionar erros como esse, tivéssemos que descrever em mínimos detalhes cada pequeno aspecto de nossa imaginação. As informações que o diretor de arte precisava saber estavam na fala/ação da cena: o personagem toca uma guitarra em maple e pede uma em rosewood para que o vendedor vá procurá-la e, no processo, ele a rouba. E é isso. É o suficiente pro cara, à partir dali, buscar uma guitarra e verificar se ela existe em outro modelo. O roteiro chama a ação do ator, por exemplo: "FULANO chora". Mas não escreve "pra fazer isso, pense na sua mãe morta". Reitero: a culpa foi claramente do Diretor de Arte, que não pesquisou direito, e do Diretor, seu imediato superior e responsável por toda a impressão visual. Mas, tivesse o Roteirista detalhado o modelo, este erro quase imperceptível não teria acontecido.

Qual o veredito? Não faço idéia. A resposta fácil e corriqueira pra questão proposta pelo post é: "faça o caminho do meio, jovem padawan". Não detalhe tudo; apenas as coisas que podem gerar confusões. Mas é muito mais fácil falar do que fazer quando virtualmente QUALQUER coisa pode sucitar um erro/confusão. Algo mágico que pode reduzir a possibilidade do problema é a comunicação não apenas via roteiro, mas durante todo o processo. Cinema é um esporte coletivo, né? Infelizmente é uma coisa que tanto nós roteiristas temos que lembrar mais como também muita gente das outras posições numa produção tem que lembrar. A fruição do resultado do nosso trabalho tá intimamente ligada ao bom desempenho dos outros colegas, então, no mundo ideal, todo mundo dava a mão pra todo mundo e caminhava junto, ainda que cada um em seu quadrado.

E você? O quão detalhista acha que devemos ser? Qual é o ponto que fica demais, arrogante, punheteiro, desnecessário e qual o ponto que é insuficiente, desleixado, amador?

De todos os diversos ângulos interessantíssimos do que vem acontecendo no âmbito político do Brasil, um que acho que interessa muito à nós, storytellers do audiovisual brasileiro, é o da nossa relação com heróis.

Sim, heróis. Se hoje o cinema americano vive uma fase prestes a saturar de tanto filme de SUPER herói (dos poderes especiais mágicos, mutantes, sobrenaturais mesmo), nossa escola cultural sempre foi mais européia e mais esquerdista. Tivemos sempre um olhar mais “crítico”. Falamos mais de “Protagonista” do que de “Herói” de uma história. Sei lá, porque “herói” é meio parcial, né? Inocente e ingênuo. E o bom intelectual tem que ser imparcial (que tolice!), absoluto, certo de si. Ou é uma coisa mais de cinismo também. Pode ser. O fato é que é batata; se você escreve um herói como protagonista, um cara sem falhas graves, que busca o certo... vai receber um note dizendo que ele não tá “crível”. Vão chamá-lo de “chato”, dizer que ele tem que ser mais “real”.

Mas o curioso é que no campo da vida real, o caminho é outro. Os brasileiros estamos a todo momento procurando Heróis. Seja ele o salvador da pátria da semana, seja ele um supostamente velho conhecido. Jogamos toda nossa esperança em alguém que não temos a menor idéia de quem é de fato. E pior, ele não tem a menor - repito, a MENOR! - idéia de quem VOCÊ individualmente é. Mas seguimos. Defendemos, brigamos com nossos amigos que não veem do mesmo jeito que nós. E, cedo ou tarde, os caras cometem o terrível crime de serem humanos e não agirem de acordo com os princípios que você setou (por conta própria) pra eles e decepcionam a todos, porque... ele não era um herói no final das contas. Alguns reconhecem que foram enganados, outros não aguentam admitir o próprio erro e preferem continuar defendendo seus ídolos contra a lógica. Mas cedo ou tarde descobre-se: eram falhos e não mereciam o foro privilegiado (pra usar a linguagem atual) de um super herói.

Como explicar isso? Não deveria ser o contrário? A história contada geralmente fala muito sobre quem a conta. Então, esta descrença no herói/crença no humano cheio de defeitos não deveria ser reflexo de uma sociedade mais pragmática, que não se apaixona por qualquer candidato à capa e sunga pra fora da calça? Ou será que, ao contrário, nos falta mais heróis “irreais”, menos “críveis” nas nossas histórias para que discutamos mais a impossibilidade de existência deles e, com isso, entenderemos que trata-se apenas de uma alegoria, uma utopia que deve ser buscada mas nunca será de fato alcançada? Entenderemos que o que há de especial nessas histórias é a compreensão de que esta noção do Herói é “alienígena” e, por tal motivo, quando acaba a história o Herói sempre volta pra sua montanha/isolamento, pois ele é especial e não pode andar conosco. O monstro está sempre na gente. Dentro de nós: o monstro somos nós. E não queremos/podemos contaminá-lo.

E isso que é o “legal” das histórias com Heróis. É um espelho do mundo bizarro e otimista onde não somos nós o grande problema, onde não somos nós quem tem de arregaçar as mangas e fazer o trabalho e os sacrifícios mais difícieis, pessoais e perenes para que o todo seja consertado e funcione a contento. É alguém “especial”, com super poderes e uma apresentação sedutora, que chegará de maneira mágica, fará tudo sozinho enquanto nós só admiraremos. Nosso papel é, ao final, se tanto, agradecer sãos e salvos (e mimados, pois não fizemos nada, então estamos contando que se outra ameaça surgir, ele volta para o sequel) enquanto o Herói vai embora rumo ao pôr do sol.

O preocupante é acharmos que isso é uma possibilidade real e não uma construção fictícia. Ainda que filmes/histórias retratem a vida e dialoguem com ela, nem sempre a vida autoriza esse “baseado em fatos reais”.

 
Na sexta passada, o Herison mandou uma pergunta tão interessante no Q&A (veja aqui) sobre o uso de "(beat)", que pensei que seria importante fazer um post dedicado exclusivamente para o assunto, desenvolvendo um pouco mais a matéria, inclusive com exemplos.

O fato é que, infelizmente, pouca gente sabe ler roteiro no Brasil. Poucos atores param pra realmente entender o jeito como o roteirista pensou o ritmo daquelas frases. Pra dizer a verdade (causa ou consequência? Não sei dizer...) poucos roteiristas também se dedicam a isso. E isto é uma falha que considero grave. Cada vírgula, ponto, travessão, reticências, ponto e vírgula, convém uma forma diferente de se falar palavras e o "(beat)" é peça fundamental nessa engrenagem.

Vamos dar uma olhada em alguns usos pra tentar entender mais ou menos na prática o (beat)?
Aqui o (beat) é uma pausa simples pra separar dois momentos. Pro ator não falar as três frases numa corrida só. De repente, um roteirista desavisado diria "Ah, mas pra quê colocar (beat)? Coloca reticências que o leitor lê a pausa." No entanto, está errado esse pensamento. Eu quero que as duas primeiras falas sejam lidas de maneira assertiva. Direta. E, só depois, haja a pausa e a quase-mudança de intenção/pensamento do personagem. Ele ventila o problema, um (beat), e conclui. Reclama, um (beat), e resolve. As reticências no segundo "Não dá mais pra mim" mudariam substancialmente a interpretação do bom ator (necessariamente bom leitor), uma vez que ele falaria que não dá mais, deixando um espaço lacunar, quase livrando o corpo, lavando as mãos: é isso que as reticências fazem. A intenção originalmente buscada é a de "decisão", por isso, botei o ponto-final seco.


Já neste exemplo, o (beat) é usado com fins cômicos, pontuando a piada. Necessariamente precisa desse respiro quebrando o flow, porque senão não funciona. Fale na sua cabeça as duas frases da Maria. Sem pausa; uma atrás da outra. Sem o (beat) e sua inversão de expectativa no leitor, você perde muito da graça da coisa. Verdade seja dita, é o tipo de piada que só funciona com atores que respeitam muito o texto e sabem ler roteiro e, como eu disse lá em cima, são poucos aqui no Brasil, terra do "improviso".

Aqui o "(beat)" também é usado de maneira cômica, mas meio que separando as frases para convir duas intenções. A última frase nega a intenção da primeira e essa quebra é o que traz a graça.

O "(beat)" é uma marcação potente para chamar a atenção dos profissionais envolvidos na produção. Seja ele o bom ator, que vai entender que ali é uma oportunidade de acting ou pro bom diretor e o bom editor entenderem que ali há uma troca de marcha no timing de manipulação de expectativa do público.

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

O que é um beat em um roteiro?
Já lí vários e sempre encontro um "(beat)", que me deixa confuso!!

Pesquisei, mas só achei sobre Beat Sheet, e acho que não é isso, é?


Obrigado, e parabéns pelo blog!
Herison Piza

Fala, Herison!
Obrigado pelas palavras e seja bem-vindo. A Sala é nossa!

"Beat" é inglês para "batida", "batimento", ou seja, uma pausa. O "(beat)" que você vê no meio das falas é uma marcação que o roteirista faz para o ritmo da fala do personagem. É inserido para que o ator não emende uma frase na outra e separe um pensamento do outro. Pode ser usado para pontuar uma piada, uma intenção e uma alteração de ritmo/lógica da fala. Individualmente ou combinando dois (ou mais) destes usos.

OBS: Também tem quem use o "beat" na linha de ação pra designar a pausa curta na movimentação dos personagens. Tipo: "FULANO vem andando pela rua, quando, subitamente, pára. Um beat. Estaria sendo seguido? Resolve continuar seu caminho.". A diferença é que, neste caso, o "um beat" é apenas um caso de estrangeirismo - o roteirista poderia tranquilamente escrever "Uma pequena pausa", mas, na eterna briga por espaço branco na página, optou pelo curto "beat" - enquanto, no caso do "(beat)" no meio do diálogo, trata-se de um "comando" terminológico próprio à formatação de roteiros, que adotamos dos EUA pois nunca fizemos nenhum "acordo ortográfico" master entre os profissionais do audiovisual de como seria a terminologia brasileira para roteiros. É por esta razão que você vê em roteiros brasileiros o uso de "CONTINUOUS" e "LATER" nos cabeçalhos de cena e tal. Os mais hardcores usam até "DAY" e "NIGHT", mas isso eu escrevo "DIA" e "NOITE" mesmo, porque, po, não tem porquê não: não existem sinônimos absolutos e pragmáticos pra essas duas palavras (treva e escuridão são poéticos demais) .

Que bom que te ajudei! 
(beat) 
Ajudei, né?

 
O produtor americano Ross Putman criou o twitter @femscriptintros onde ele coloca as descrições dos personagem femininos que ele encontra em diversos specs scripts que chegam até ele. O twitter é muito interessante para que, fora de contexto, pensemos o quanto podemos melhorar a descrição dos nossos personagens.

O que se encontrou foram diversas descrições de personagens femininos que focavam na "beleza" do personagem e em diversos momentos eram sexistas. É fato que isto acontece mais com personagens femininos (infelizmente em sua maioria coadjuvantes e "serventes" a personagens masculinos; é ainda um mundo machista), mas acontece também com personagens masculinos. Vejo direto por aí. Parece que nós, roteiristas, já temos os personagens tanto na cabeça, que ficamos com preguiça nessa parte e fazemos uma introdução enfadonha e "fácil", superficial.

O grande erro é que na hora de descrever seu personagem, você tem que pintar um quadro da personalidade e não da figura dele/dela. Tá no nome: personagem e não figuragem. A beleza e outra característica física qualquer só deve vir notada quando ela for essencial para a história. Se o personagem for claramente mais bonito que o comum (e isso siginificar algo à trama, tipo; é a história de alguém que não consegue arrumar namoros, pois sua beleza assusta), se o personagem for claramente mais sarado que os outros (um antagonista que faz os personagens preguiçosos sair do lugar ou o antagonista dos preguiçosos que claramente se mostrará, por ser fit, uma ameaça ao objetivo final), se o fato dele ser loiro/moreno/careca representar algo mais a frente na história, oferecer algum payoff (nem que seja uma piada)...

De resto acho que o importante é trazer características de comportamento (e não físicas!) que ajudem o leitor a visualizar aquele tipo de pessoa. Até porque as características físicas vão pro espaço dependendo do ator. Você escreveu "JANE (20), loira, olhos azuis penetrantes; atração imediata" - que, por sinal, é uma péssima descrição - porque queria convir um personagem que tivesse uma presença magnética e desconcertante - que, por sinal, é uma descrição muito melhor - e esse personagem poderia muito bem ser, sei lá, a Maria Casadeval, mas você colocou "loira, olhos azuis" e com isso tornou a coisa toda mais difícil. O produtor de elenco vai ficar tendencioso a procurar loiras de olhos azuis (à toa, porque você nem precisa de fato que ela seja loira) e mesmo que ele/ela consiga superar isso e pensar em uma atriz não-loira, no mínimo, vão pedir pra você editar, trocar pras características dela, de maneira que sua estrela se sinta prestigiada pro papel.

Falar é fácil... vamos ver como eu fiz com a descrição da Hortência, personagem principal do meu longa "A esperança é a última que morre"?

A doce, mas meio atrapalhada, HORTÊNCIA (30) vem andando em clima misterioso fazendo sua cabeça. 

Perceba que eu não dei nenhuma descrição de "beleza" e nem física. Fui 100% comportamental. De repente um leitor mega desavisado imaginou ela super alta com cabelo preso e preto. Outro, que não viu o filme, mas sabe que ela foi feita pela Dani Calabresa, imaginou-a como a atriz e sua persona e trejeitos. E quem assistiu visualizou o belíssimo trabalho de caracterização que a Dani fez junto à maquiagem (Lucila Robirosa), figurino (Ana Avelar) e arte (Claudio Amaral Peixoto e Lulu Continentino), com cabelo cacheado, óculos e figurino europeu antigo. Independente disso - porque ela poderia ser de todos esses jeitos, dependendo de mil outros departamentos e desdobramentos do longo processo que é fazer um filme (cinema é um esporte coletivo, lembram?) - o mais importante é que todos a imaginaram de forma DOCE e MEIO ATRAPALHADA, como descrito no roteiro. Uma pessoa boa que acaba metendo a mão pelas pernas em meio às suas trapalhadas e sonhos; que é exatamente quem é a Hortência na história do "A esperança é a última que morre".

Apesar de, mais a frente no roteiro, eu descrever mais do estilo de Hortência (cito em outro momento "A CAM/ abre e revela Hortência de terninho, mas cafona - algo não encaixa.") geralmente eu prefiro pensar em curtos (mas certeiros) adjetivos comportamentais/espirituais e deixar que as ações e, principalmente, a voz, o jeito como meu personagem fala, completem as lacunas de quem o personagem é na cabeça do leitor. Sempre acho que o mais importante e interessante é o leitor descobrir sozinho através das ações dos seus personagens - tal como o ritmo e o clima do filme, através das imagens que você pintar.

Nesta mesma lógica, comentando sobre a polêmica conta do twitter, o excelente podcast Scriptnotes de John August e Craig Mazin ofereceu boas saídas para superar este problema de má escrita. Craig Mazin deu uma dica muito interessante de, na hora de descrever, focar em dois departamentos que não só ajudarão a dizer quem é o personagem, como ajudará a produção a ser mais assertiva: cabelo & maquiagem e figurino. Pensar em características marcantes daquele personagem traduzidos nestes departamentos mas não necessariamente ser específico à roupa que está usando ou "ah, ela usa sombra azul no olho". É maquiagem/figurino de caracterização e não de efeito. É dizer "é bronzeado" ou "parece nunca ter visto o sol". É dizer "cabelo impecavelmente penteado e aparado com gel" ou "cabelo de aspecto sujo; não tem tempo pra isso". Isso tudo diz muito do personagem e ajuda as pessoas envolvidas no processo a entenderem e montarem o personagem junto à você.

Resumindo: não seja sexista e nem enfadonho. Não descreva o personagem como se fizesse um retrato falado; descreva-o como se você estivesse fazendo um discurso de um prêmio de "conjunto da obra" daquele personagem, mirando nas características da personalidade dela e não da aparência física. Quando fizer sentido para aquele personagem específico, dê exemplos brandos do cabelo & maquiagem e figurino que contribuirão para pintar a personalidade (e não a aparência física!) do personagem.

De tudo que falo aqui na Sala dos Roteiristas; nada é uma regra. Não existem "regras" na hora de escrever um roteiro. Existem padrões, costumes, práticas, atalhos etc. pra que você chegue a um resultado final satisfatório, coerente e plausível. Destes 3 últimos adjetivos, vou advogar, no post de hoje, contra o último.

O roteirista profissional deve saber como e onde cortar e/ou alterar para baratear a produção do que ele escreveu. Em breve falo mais sobre como fazer isso. No entanto - e especialmente aqui no Brasil, onde todas as produções são por necessidade "faca na caveira" - esta prática, na raíz, nos faz (e ao filme e ao público final) um desserviço criativo. É difícil, anos a fio no mercado, desligar a chave "produtora" na sua cabeça e falar "Sabe de uma coisa? Vou botar uma cena de uma festança/banquete SIM. É importante pra ilustrar o quanto o meu personagem, o rei desse imenso e imponente reino, senta-se sozinho na cabeceira, cheio de poder, mas sem qualquer amizade." Existe uma figura chamada "Produtor", que está ali exatamente para isso. Pra dizer "cara, essa cena vai custar muito caro. Podemos cortá-la?". E ainda assim, você deveria arrumar maneiras de não cortá-la e sim de baratear tal cena.

Sinto que isso é uma questão própria à nós, roteiristas, que, tensos, doidos para agradar, já antevemos todos os problemas e tentamos entregar a melhor combinação entre o fazível e o agradável. E devemos fazer isso mesmo. Mas com ênfase no agradável. No criativo, no lúdico, na inovação; no entretenimento. Vejo que com os diretores não há esse problema. Eles não tem medo de botar na análise técnica deles steadycam, grua, dolly, jimmy jib... o Produtor vai chorar com ele isso e aquilo e ele enventualmente vai fazer as concessões dele, porque não tem jeito: se não há plata, não há como. Mas ele vai primeiro pedir tudo pra que ele possa realizar com efeito a visão dele. Da mesma forma, acho que temos que fazer isso. Nos editar menos. Não ter vergonha de pensar uma história que se passa no espaço ou que seja um thriller cheio de perseguição de carro e coisas do gênero. Às vezes não é a sua visão que tem que ser ajustada e sim a do Produtor ao projeto. O quanto não estamos perdendo ao não tentar perseguir o "maior" que conseguimos pensar?

Saiba como reduzir/baratear a produção, mas não reduza/barateie sua escrita e sua criatividade. Este não é o seu trabalho! Não se antecipe a esse problema. Conheça-o, mas não se edite de cara. Às vezes o que você pensava que seria um problema não vai ser visto assim pelo produtor. Ou você justificou tão bem - porque não se editou - que agora ele que vai se virar pra fazer aquilo acontecer.

O roteiro é sempre a primeira instância de um filme. Você dá o tom, roteirista. Tudo se constrói à partir do que você escreve. Portanto, se você, de início, segurar a criatividade na rédea curta, a chance de chegar ao final com pouco ou quase nada de criativo e diferente no seu filme é grande.

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Voce conhece algum roteirista free lancer para escrever um roteiro para filme ?

Fernando

Opa, Fernando

Conheço vários.

Abraço!