Muita gente me perguntava "quando você vai falar sobre TV?" e eu nunca me apressava por vários motivos, mas principalmente porque na superfície o roteiro para TV é o mesmo para o cinema. A linguagem audiovisual televisiva nasceu de uma noite de sexo embriagado do Cinema com o Rádio, então se você dominar o roteiro de um longa é meio caminho andado pra TV.

No entanto, chegou a hora, até porque agora que meu longa "A esperança é a última que morre" já foi para os cinemas, a bola da vez é a primeira série do Porta dos Fundos para a FOX, "O Grande Gonzalez", na qual tive a honra de trabalhar no desenvolvimento e primeiros episódios sob o comando dos queridos e geniais Ian SBF e Gregório Duvivier fora toda a galera do PDF. É mais fácil de fazer as relações, tal qual fiz quando no primeiro semestre todo com o Esperança...

Vamos de forma homeopática - ou episódica, pra ficar no tema televisivo? - mostrando algumas pequenas especificidades. Mas nesse post inaugural, acho importante cobrir o que considero o fundamental da diferença da TV para o Cinema em termos de roteiro. Um ponto de partida para que meditemos antes de entrar nos específicos pois, de tal forma, quando o fizermos, teremos uma compreensão muito maior de onde estamos mergulhando. São duas coisas e uma é meio-irmã da outra:

•  Consumo 

Sempre tive em minha mente que o cinema está muito mais próximo às artes plásticas. O consumidor deste produto teoricamente está prediposto a consumir aquela obra. De tal forma que veste um calçado, sai de sua casa, se locomove até o cinema, paga o ingresso e assiste a obra. Aliás, a proximidade com as artes plásticas não se dá só nesta questão de interesse e propósito, mas também no que diz respeito à preservação da "integridade" da obra como fora concebida pelo(s) seu(s) autor(es); a sala de cinema é isolada tanto acusticamente quanto fotograficamente para que o contraste de luz e som sejam adequados e você possa fazer uma imersão de 2 horas ou mais em outro mundo que não o seu.

Já a TV é um organismo mais vivo. Ela tá dentro de sua casa. Originalmente era um dos móveis, até! E se na minha casa é uma Sony de LCD widescreen, na casa da minha avó é uma Mitsubishi CRT com garantia até a Copa de 2002 e tem gente por aí que, pasmem!, ainda tem TV preto & branca... Tem gente que faz pipoca pra assistir embaixo do cobertor, tem gente que liga a TV e desliga a si mesmo, tem Dona de Casa que não vê nada, mas ouve tudo enquanto seus olhos e mãos preparam a janta. E não somente isso - e para mim o mais interessante - é uma obra de consumo contínuo. Quando acaba aquela 1 hora, tem mais 1 hora no dia seguinte ou na semana seguinte e por aí vai.

Estes (e outros) fatores acarretam em especificidades diversas na forma como se pensa e se dispõe um Roteiro de TV (e serão especificamente cobertos em diversos posts de agora em diante).

• Produção 

Com tamanhas especificidades (que, repito, serão vistas em posts vindouros; fiquem ligados!) a produção destes roteiros tem de serem feitas de forma também específica. Se na telona na maioria das vezes há um roteirista apenas (um writing team, se tanto), na TV raramente há apenas um roteirista.

Para conseguir dar conta não só da carga horária da produção televisiva e sua linha de montagem "industrial", onde é necessário ter conteúdo audiovisual 24 horas por dia, bem como da carga intelectual deste trabalho, que - diferente do cinema, que é concebido para ter um curto tempo de consumo - é disposto no espaço-tempo e não fechado em si, criou-se a figura do "Showrunner" e o time de roteiristas. Eles se reunem na "sala dos roteiristas" - aha! agora você entende o nome deste site e vê que não é da boca pra fora quando falo que sou um cara mais TV que cinema... - e definem o que será escrito e fazem, cada sala à sua maneira, um trabalho autoral em conjunto em nome do programa.



De novo, esta é só uma introdução para pincelar o que vem por aí. Não fique tenso! É mais simples do que parece. Só quis dar o pontapé inicial e destacar o que acredito ser a gênese das especificidades do Roteiro televisivo, pois acredito que só descobrindo os "porquês" entendemos os "o quês".

Isso não significa que vou parar de falar sobre cinema!

Ainda tenho coisas pra falar, inclusive sobre "A esperança é a última que morre" e vocês podem continuar mandando Q&A sempre sobre isso. Serão assuntos concomitantes e complementares, pois, como disse no início, TV e Cinema andam paralelos, são família. Só achei importante fazer este "anúncio" aqui para que todo mundo fique ligado, avise os amigos e estejam preparados para uma nova aventura aqui na Sala dos Roteiristas logo após o top de 5 segundos... piiium... piiium...piiium... piiium... piiium...

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Para o produtor brasileiro o que é mais importante:
Uma roteiro com uma historia super criativa OU um roteiro que pode ajudar a trazer financiamento?

Jeferson Rodrigues

Eu não separaria uma coisa da outra, Jef. Um roteiro com uma história super criativa tem muito mais chances de trazer financiamento do que um batido, mais do mesmo. No entanto, o determinante é o "bem escrito". A gente não tem problema nenhum em ver algo pouco inovador (até porque o que existe que ainda não foi feito?) se for MUITO bem feito e não adianta nada uma premissa super "diferente" se ela é disposta de maneira desinteressante, chata etc.

Filmes do Woody Allen e outros cineastas muito autorais tão aí pra provar isso. A gente sabe mais ou menos o que vai ser o filme, varia muito pouco, e vamos amarradões porque eles fazem aquilo muito bem e nos entretem em 2 horas ou pouca.

Essa "inovação" e a premissa em geral só serve para chamar a atenção das pessoas. Mas depois que você chamou é que é o desafio real, pois vão estar prestando atenção e é bom que você tenha o que dizer e saiba dizer bem.

Abraço!

Quem dera o filme se auto-criasse e chegasse subitamente ao colo dos espectadores. Uma obra cinematográfica passa por 5 etapas bem diferentes entre si e o trabalho de um roteirista, pelo menos idealmente, é necessário em todas elas. Porém cada fase exige coisas diferentes de você. Tanto físicas quanto emocionais.

Nesta série de 5 posts falarei um pouco sobre o papel do roteirista - sua função, postura, dedicação e contrapartida - em cada fase de uma obra audiovisual. Para finalizar, vamos para a fase mais agridoce: o lançamento.

O .gif do post é só um breve momento. Sim, até rola esse glamour onde os flashs pipocam pois sua obra ganhou vida de fato e chegou ao consumo do público. Mas há trabalho ainda, pois você passa por uma bateria de trabalho midiático (coletiva de imprensa, sessões especiais, debates, entrevistas...) e isso requer de você foco, energia e serenidade.

Função: Sua função, como a de todos neste momento, é divulgar o filme da melhor maneira possível para que ele seja assistido. Oficialmente é fazer o que quer que os produtores + assessoria de imprensa decidirem que você tem que fazer. Está convencionado no seu contrato; você tem que estar disponível para dar entrevistas, participar das coletivas etc. e tal. No entanto, a verdade é que somos roteiristas, ninguém se importa com a gente, então a chance de você ter que fazer muita coisa é pequena. Você meio que pega as entrevistas que ninguém mais quis fazer e faz o melhor disso.

Postura: No lançamento, todo o extenso trabalho que foi feito passa por duas métricas que podem te deixar doido: a crítica e a bilheteria. Este é um jogo que você não pode ganhar. O lançamento de um filme passa por milhões de fatores - sorte, distribuição, mídia, clima, timing... - que afetam o "sucesso" dele, mas a verdade é que o sucesso é o próprio lançamento em si. Escrever um roteiro já é algo incrível - se não é um roteiro adaptado você criou algo do nada; já pensou nisso?! - ter ele produzido e lançado no cinema é impressionante, notável! E a indústria te reconhece por isso, pois sabe bem da dificuldade; pode ter certeza disso. Você faz parte de um seleto grupo de pessoas; seja grato a este momento que está vivendo e seletivo (até oportunista, por que não?) na hora de se importar com o desempenho na bilheteria e a opinião da crítica/público. Curta a crítica favorável e quase dispense a negativa como apenas "a opinião de uma pessoa". Na real toda crítica é a opinião de uma pessoa (que é paga pra ter uma opinião, olha que jogo doido!), então... por que se importar? Leia, faça uma avaliação do que é dito mas tente não se apegar nem se influenciar demais. Se você acredita no que fez, continue. Eu fico ao lado dos que são criativos, ou seja, os que criam, e não dos que desconstroem/destroem. Pelo simples fato que o desafio é maior. Desconstruir/destruir é fácil demais, simplório, intelectualmente menor. O espaço para crítica especializada é armado de uma maneira que a verdadeira crítica não consegue ser feita e vira um exercício de pessoalidade do gostei/não gostei e a democratização da crítica com o advento da internet também traz muitas vozes despreparadas que entendem (concientemente ou não; não sei) que sendo maldoso/negativo conseguem mais ibope, então, sério, não fique psico com isso. No lançamento inteiro antes e depois de sua obra ir "ao ar", tente se desapegar, ter compaixão pelos outros e se orgulhar do puta feito que é ter algo para que amem, odeiem ou sejam indiferentes.

Dedicação: Eu acredito que todo mundo é uma rede, então você pode e deve fazer além do que os produtores e assessoria de imprensa do filme te pedir e encher os amigos para irem ver seu filme. Pode incomodar! Especialmente no primeiro. Você vê milhões de "bom dia", fotos de gato/cachorro/comida, justiceiros sociais, "viva Dilma"/"fora Dilma" e não reclama (não reclama, né?! espero que não reclame...) então você pode também dessa vez. Não vai obrigar ninguém a ir, ficar perguntando "E aí? Você já foi?! Vou deixar de ser seu amigo se você não for!", mas pode postar todo dia alguma coisa, dizer onde tá passando... A boa é você ser criativo e tentar criar "conteúdos" cujo proósito final é fazer com que quem o consuma sinta vontade de ir ver o filme. Você é roteirista; vai pensar em algo maneiro pra isso! OBS: faça seu dever de casa! Às vezes o filme é lançado muito longe de quando você escreveu e algumas coisas não estão frescas na sua cabeça. Você quer dar o máximo de informações legais nas entrevistas e tudo mais, então quando for começar essa fase, tente parar e lembrar um pouco de como foi tudo. Cace emails antigos, dê uma olhada nos tratamentos pra lembrar o que foi mudando com o tempo, olhe as fotos (você tirou fotos, não?!), dá um google pra ver o que foi falado do filme anteriormente, converse com os produtores pra saber como vai ser o lançamento e o que é importante de ser divulgado... esteja sempre alerta! Dedique-se, pois cada ingresso a mais conta! Ninguém faz filme para ser guardado na gaveta. Você quer que o máximo de pessoas assistam!

Contrapartida: Dinheiro? Não há. Talvez se o filme for um puta sucesso e você tiver equity (porcentagem de bilheteria). Mas escuta uma coisa: este momento é o porquê nós escrevemos roteiros. Ver as imagens que você pensou materializadas na tela e sendo vistas e assimiladas por vários outros olhos... este é o seu pagamento. E, broder, vale muito a pena. Aproveite, saboreie e use essa energia para voltar ao início e fazer tudo de novo; do desenvolvimento à pré, passando pela produção à pós e o lançamento do seu próximo projeto!

Veja outros posts da série "O Roteirista e as fases de um projeto"
Primeira fase: Desenvolvimento
Segunda fase: Pré-Produção
Terceira fase: Produção
Quarta fase: Pós-Produção
Quinta fase: Lançamento

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Vamos ao desta semana!

Existe alguma outra área onde um roteirista trabalha, sem ser cinema, teatro ou TV?

Carlos Muniz

Uma corrida intensa pela liderança de Q's enviados entre Muniz e Jef!

Cara, levando em conta que o roteirista, antes de qualquer coisa, é um escritor; sim, tem vários tipos de trabalho que ele pode fazer. Ele pode ser jornalista opinativo; nem se cobra mais diploma pra isso, certo? Pode ser redator publicitário. Enfim, pode lidar com trabalhos de criação em geral, se não na parte de execução (pois hoje em dia há muita especificidade visual) na parte da direção destes conteúdos, já que o roteirista, necessariamente, tem de ter uma boa compreensão do "todo" artístico-comercial.

Mas saindo do etéreo, como ROTEIRISTA, aquele que faz "roteiros", não. Ele meio que está confinado a estes meios citados (você esqueceu a internet!) e futuros outros pontos de contato entre público e obra audiovisual.

Saudações!

 
Agora que já foram escolhidos é “água embaixo da ponte”, mas quando divulgaram pela primeira vez as imagens dos mascotes das Olimpíadas no Brasil, com as duas simpáticas figuras, uma representando a flora brasileira e outra representando a fauna brasileira, minha cabeça de roteirista ficou pensando em duas boas lições relacionadas a construção de personagem que podemos tirar do episódio. 

• Não complique; explique!

Nunca vi alguém que criasse primeiro o nome e depois a característica do personagem - a ordem é sempre inversa – então, quando chega o momento de batizá-lo, o roteirista deve tentar resumir todas as características que criou para seu rebento e traduzir em um nome. É quase um exercício de, através de um nome, explicar como age e pensa aquele personagem. Tem muita gente brilhante nesse quesito por aí. Eu confesso que tenho dificuldades; apesar de me orgulhar bastante de “Hortência Jardim”, que, ao meu ver, vende bem alguém incomum, inofensivo, doce e desajeitado; o clássico Lovable Loser. Mas enfim, quando isso acontece, quando você resume a personalidade em nome e sobrenome... é ouro; fortalece o seu personagem, torna-o muito mais memorável.

No caso dos mascotes, entendo a necessidade de “interatividade” da coisa, mas se temos essa bela explicação, esse belo conceito por trás dos personagens e ainda a INCRÍVEL coincidência de ambas serem também um nome próprio, por que não dar para as criaturinhas o nome de... *TAM TAM TAM TAM* Flora e Fauna?

As opções “Tom” e “Vinicius” (especialmente se comparadas com o saudoso Fuleco) até são boas, mas isso não vem ao caso. A parada é que “duplicar” em sentido não é a boa; só confunde. Não tem nenhum signo de bossa nova nos personagens! Pra quê? É sempre melhor costurar pra dentro e fortalecer o núcleo do personagem. Reiteirar as características fundamentais que você deu. Cuidado com sinais contraditórios!

• Menos é mais

Às vezes nos pegamos com alguns personagens parecidos em voz ou função e, apesar de ser doloroso, temos que ver se não é possível fundí-los em um (ou dois) só. Isso ajudará você a ter um personagem muito mais forte, denso e interessante.

De volta aos mascotes; por que dois personagens? Ok, não é a primeira vez que acontece de ter dois mascotes - não dá pra creditar ao ufanismo Brasileiro; ultimamente tem rolado bastante... – mas será que não dava pra ser um só mascote que caracterizasse flora e fauna ao mesmo tempo? Não é um Double mambo jambo; cada um dos personagens criados já é bem cheio de poderes estranhos. Pelo contrário; acho que fica até mais fácil de entender/memorizar. Um ser único com características de animal (pula, corre, voa, nada) e poderes ligados à flora, a cabeleira de plantas, os galhos, poder de chuva etc. Nascido da explosão de alegria pela escolha do Rio de Janeiro como sede dos jogos, um “ser” que representa a flora e a fauna, um ser que representa o Brasil.

E se quiser ainda dar significado, já que na teoria um deles é para os Jogos Paraolímpicos, por que não fundir os dois personagens mas sem perder a singularidade deles? Um ser siamês, que representa a diversidade e a dificuldade e preconceito que o portador de necessidades específicas e outros oprimidos sofrem?

Tá, ok, aí exagerei no avant agarde-ismo.

Enfim... Procure sempre ver se não tem alguém se imitando. Os atores tem muitas ofertas; dificulte pra eles e tente fazer o mínimo de personagens possíveis. Os que pegarem seus personagens vão é gostar, pois, concentrando características e funções no mínimo de personagens possíveis, você dará papéis mais fortes pra eles. Só não esqueça que, para fazer isso direito, você tem de sempre lembrar que o sentido dessa ‘redução’ é explicar e não complicar: cuidado para não concentrar características e funções contraditórias nas suas criações.

Não torne seus personagens preto e branco. Mas arco-irís também não te ajudará em nada. Procure um dinamismo cromático. Caminho do meio neles.

Quem dera o filme se auto-criasse e chegasse subitamente ao colo dos espectadores. Uma obra cinematográfica passa por 5 etapas bem diferentes entre si e o trabalho de um roteirista, pelo menos idealmente, é necessário em todas elas. Porém cada fase exige coisas diferentes de você. Tanto físicas quanto emocionais.

Nesta série de 5 posts falarei um pouco sobre o papel do roteirista - sua função, postura, dedicação e contrapartida - em cada fase de uma obra audiovisual. Hoje é a vez da pós-produção.

A pós compreende desde a montagem das cenas até finalização de som (trilha, foley, ADR, mixagem...), correção de cor etc.

Função: É mais provável que o diretor te chame aqui do que nas filmagens, pois ele pode estar tendo dificuldade em encontrar o filme (ou apenas de decidir algumas coisas) e aí ele lembra que você escreveu a história e pede sua opinião. Sua função será, então, esta; ajudar no que ele tiver precisando. Opinando, talvez escrevendo uma bobagem-zinha de nada. É raro - eu fiz, confiram no meu instagram - mas interessante um roteirista acompanhar a sessão de ADR (Aditional Dialogue Recording), especialmente nas gravações de "background dialogue", para que se traduza melhor o clima do que acontece nas cenas. Pequenos detalhes sempre podem ser colocados nesse momento de dublagem e fazem toda a diferença. Ex: em "A Esperança é a última que morre"(JÁ NOS CINEMAS! VAI VER HOJE!!!), na cena onde JP MACEDO (Augusto Madeira) anuncia que VIVIAN (Adriana Garambone) está deixando a bancada do telejornal, rola uma hora que ele começa a fazer um mini stand up comedy em cima da "velhice" da co-âncora e a inserida de uma risadinha aliada a um "tssss" e um "tsc tsc tsc" no background - que não existiam anteriormente - conferiu não só mais vida/realismo, como fortaleceu a "piada" do personagem. A maioria dos filmes faz isso no mecânico, a galera do ADR vai lá, vê a cena e inventa o que for (eles são muito bons e rápidos; é bizarro!), mas a 'direção' dada por mim e pelo Calvito sobre os contextos e os momentos chaves da cena fez toda a diferença. Eu achei, pelo menos.

Postura: Aqui é mais tranquilo de, uma vez envolvido, dar suas opiniões e toques sobre alguma coisa. Teoricamente aqui é só storyteller envolvido: o diretor (ainda o líder), o montador e você. O produtor, às vezes. Ele é mais o gerente, manja? Vê o macro e não o micro, então dificilmente vai estar no dia-a-dia; vai receber pronto ("o corte") e dizer sim ou não. Então, caso você queira expôr alguma coisa, neste momento é mais tranquilo do que no set, com suas milhões de pessoas; você não precisa ficar tão "com um pé atrás". De toda forma, você sempre se dará melhor se for de boa, conciliar todos os interesses e egos envolvidos.

Dedicação: Por um lado é pequena, por outro é monstra, pois, dependendo do que lhe incomoda, você vai ter que queimar MUITO a mufa. Já tá tudo filmado. Você pode, se tanto, usar alguns truques, gravar um audio (será que tem dinheiro/ator disponível?) e inverter ordens de cenas pra acentuar ritmo etc. Mas será que cola com a continuidade? Será que é possível, at all?

Contrapartida: Não há dinheiro aqui. Aliás, aqui, como um todo num filme, não há mais quase dinheiro, já foi quase tudo comido, raspa-se o pote e é uma luta pra pagar os serviços finais (são muitos e diversos) para finalizar o filme e levá-lo às telas. Até por isso, reforço que você nunca deixe nenhuma parte do seu pagamento para depois. As últimas retiradas de dinheiro vinculadas a processos burocráticos da ANCINE são de lascar. Seu trabalho é escrever, então cobre por tratamento baixo e vá pegando uns adicionais pra cada novo que rolar e, se necessário trabalho pesado nas outras fases, tente negociar um cachê bem baixinho só pra esse "all purpose fee".

Veja outros posts da série "O Roteirista e as fases de um projeto"
Primeira fase: DesenvolvimentoSegunda fase: Pré-Produção
Terceira fase: Produção
Quarta fase: Pós-Produção
Quinta fase: Lançamento

5 Leos, 2 Giseles e 1 Jim Carrey na Escala Di Caprio de bons filmes*

GAAAAAAAAAH!!!! Tá nos cinemas! E é demais ver na telona o seu trabalho (e o de todo mundo envolvido) eternizado em imagem e som! Sei que quem acompanha o blog tem curiosidade, afinal venho falando do filme desde o início do site e de repente vocês tão pensando também "po, mas e se for uma fraude e de tudo que ele fala, nada acontece quando é a vez dele fazer?"... justíssimo! Então só tem uma maneira de descobrir e saciar a curiosidade, né? VÁ AO CINEMA!

Pra quem tá caindo de paraquedas, "A esperança é a última que morre" é o meu primeiro longa-metragem e venho já falando sobre ele em diversos posts aqui no site (sendo que em breve vou pegar todas as fases do projeto e dizer como foi o processo criativo em cada uma delas). Solta o play no trailer pra entender um pouco a pegada do filme, mas, complementando-o, acho que é antes de tudo um FILME. A gente se preocupou muito em contar uma história, pra que além dos risos costumeiros à uma comédia, quem for assistir leve pra casa alguma coisa. Então tem romance, tem suspense, aventura e alguns temas muito bacanas e importantes de serem discutidos tanto na superfície evidente do filme quanto mais profundamente; da história até as escolhas (de elenco, de tom, de rumos na trama). Espero que toque vocês, seja da maneira que for. 

Tem que ir HOJE ao cinema! Agora! Sério. Pára de ler, pegue 2 amigos pelo braço e vá até o cinema mais próximo assistir! Depois volta aqui e diz o que achou! Ainda tá aqui, lendo? Vai logo! To esperando aqui e dando refresh pra ver seu comentário!

*Geralmente a escala vai de 1 a 5 Leos, mas deu a louca com esse filme

Perceberam o parênteses no "Re"? Pois é, não é uma continuação da série de posts "Dicas de Rewrite"(I e II), mas foi inevitável, vocês sabem como eu sou; adoro um trocadalho do carilho.

Este post até se aplica de leve ao momento de re-escrever tratamentos (assunto da série de posts supracitada), mas o cerne é o momento que você está escrevendo o primeiro tratamento e é uma coisa que parece boba, mas, se for seguida, te poupa muito tempo e dor de cabeça:

Escreva do início ao fim.

Não significa que você tem que escrever na ordem linear (eu só faço assim, pois só funciono assim, mas muita gente faz tranquilamente fora de ordem, tipo "cena x, depois cena b, depois cena z e cena a"), mas o que estou dizendo é para você nunca re-escrever seu próprio trabalho.

Esmiuçando: nunca escrevemos numa tacada só, né? São 110 páginas! Só um maluco faria isso (e um maluco genial, porque a chance de ficar bom é pífia). Então, quando sentamos pra começar de onde paramos, damos aquela lida muito importante no que já fizemos para continuar. É vital que, ao fazer isso, não sentemos e "umn, essa fala que já escrevi não tá legal... vou trocar isso", pois senão você não vai acabar nunca.

"Mas, Dudu, você tá falando então que escreveu, tá escrito e fim de papo?!"

Não, de jeito nenhum. Mas você escreveu, da melhor maneira que você podia naquela hora e tem que deixar pra trás. Quando chegar ao fim do roteiro e não houver mais cenas para serem escritas, aí sim, você volta e começa a melhorar essas coisas que você não curtiu quantas vezes for necessário, até considerar o tratamento como "fechado" e pronto pra ser entregue.

Isto é uma questão tanto prática (tempo é dinheiro e, tomara!, terá gente te cobrando a entrega do trabalho) quanto piscológica. É um longo trabalho e precisamos conseguir contabilizá-lo até pra ter tesão em continuar. Ficar avançando uma página por dia e refazendo as 3 anteriores não é sadio. É o inverso do "dar um passo pra trás pra dar dois pra frente". Na hora de escrever o roteiro só há uma direção: "para o final". Depois você volta, re-escreve, faz o seu melhor, fecha e segue em frente - mesmo que o "seguir em frente" seja voltar  à primeira página e refazer tudo de novo. Mas quando você estiver lendo pra recapitular; é leitura apenas. Não é hora de duvidar do seu trabalho. Até porque a sua própria análise de que o escrito está bom ou ruim não tem como ser completa, pois você não sabe o que vem em seguida, então é apenas perda de tempo; vai por mim.

Acho que a imagem do post é muito feliz, pois na analogia da estrada que você tá pintando, se o pincel voltar pra trás, vai atropelar o maluquinho (que no caso é você).

Leia pra entender o que já foi feito. Escreva o seu melhor para continuar de onde parou. Chegou ao fim? Repita todo o processo até achar que o que está nas páginas é o melhor que você consegue fazer (ou até você não aguentar mais trabalhar naquela coisa).