Quem dera o filme se auto-criasse e chegasse subitamente ao colo dos espectadores. Uma obra cinematográfica passa por 5 etapas bem diferentes entre si e o trabalho de um roteirista, pelo menos idealmente, é necessário em todas elas. Porém cada fase exige coisas diferentes de você. Tanto físicas quanto emocionais.

Nesta série de 5 posts falarei um pouco sobre o papel do roteirista - sua função, postura, dedicação e contrapartida - em cada fase de uma obra audiovisual. Hoje é o momento que todo mundo entende: produção.

Embora todos os momentos, no fundo, sejam partes da produção de um filme, o melhor jeito de explicar a "produção" é dizer que é o momento da filmagem; o momento onde falam "vai luz (ok), roda câmera (foi camera), ação!".

Função: Este momento é 100% do diretor. Ele é o líder. Então depende dele você ter função ou não. É muito doido isso, porque o ideal é ter alguém que manja da história para, no meio da loucura de mil planos e cenas diferentes, poder perguntar "peraí, de onde viemos e pra onde vamos nessa cena?", mas na maioria das vezes, nós, roteiristas, não temos função durante a produção. Estamos em casa e a galera no set de filmagem rodando o filme. Se o diretor tiver uma boa relação com o roteirsta (ou apenas "se for esperto") você pode até ser requisitado para ficar no set, acompanhar as filmagens e contribuir aqui e ali. Em ambos os casos, se rolar algum problema que exija re-escrever algo, você faz, é claro.

Postura: Cumprimente todo mundo, tente não atrapalhar o trabalho de ninguém, caso tenha alguém muito famoso não tiete (você é o roteirista deste filme; valorize-se!) e, principalmente: só dê sua opinião quando solicitado. Você tá ali, registrando tudo, aprendendo, anotando mentalmente as coisas e pronto pra, SE PERGUNTADO, dizer o que você acha/como faria algo. Mesmo se você tiver intimidade com o diretor e poder no projeto; caso tenha alguma idéia e/ou queira dar algum toque, puxe o diretor no canto ou tente falar no ouvido dando essa sugestão, sabendo sempre que ele pode ou não aceitá-la e que cabe a ele, somente a ele, determinar como vai ser neste estágio. Você não pode de jeito maneira minar a autoridade do diretor em frente à sua equipe! Pelo bem do filme. Lembre-se que esta é a etapa mais crítica de um projeto, pois envolve muita gente, muito ego, muito dinheiro. A boa dica é você encarar seu trabalho no set como "fazer o diretor sair bem na foto". Vai no ouvido, faça parecer idéia dele. Fique de boa, sem aparecer de mais, mas também sem parecer um esquisito que fica pelos cantos. Você é aquele reserva que fica à disposição do treinador e na hora do gol aparece pulando com o sorriso largo, dançando e fazendo galhofa. Você é o Vampeta!

Determinação: Bom, você tem que acordar as 5 da manhã porque se filma sempre super cedo, às vezes a locação é algum buraco sinistro e no verão pode ser bem quente... isso requer determinação (pelo menos pra mim), mas fora isso é uma época mais pra você curtir e aprender. Pode rolar de você trabalhar aqui e ali alguma coisa, mas geralmente é pouca coisa. Se for muita coisa é bad news e aí é bom você se motivar mesmo porque significa que as coisas tão ruindo e cabe a você (também) tentar salvar.

Contrapartida: Normalmente você não recebe aqui não. E se receber (o que lá fora chamam de "all purpose services") vai ser um fee bem pequeno. Mas ei! Você tá comendo de graça comida do catering (geralmente é bem boa!) e tendo a chance de ver in locco tudo aquilo que você criou começando a ganhar forma. É bem emocionante e gratificante. Vale algo!

Veja outros posts da série "O Roteirista e as fases de um projeto"
Primeira fase: Desenvolvimento
Segunda fase: Pré-Produção
Terceira fase: Produção
Quarta fase: Pós-Produção
Quinta fase: Lançamento

4 Leos na Escala DiCaprio de bons filmes*

Vou te falar que eu nem amei assistir o filme - às vezes tudo é muito bem feito e interessante, mas simplesmente não encaixa com o espectador, não é culpa do filme - mas "Snowpiercer" é muito interessante de ser assistido por um Roteirista. Um belo exemplo, às vezes quase didático, de Quest/Golden Fleece e sua "estrada", "time" e "prêmio" e um ritmo narrativo que sempre segue em frente (literalmente, na metáfora com o trem). Fora isso, um tema com uma reflexão bem bacana dos sistemas de classe. A ambientação distópica muito legal, muito bem dirigido.  E a Tilda Swinton tá muito bem no filme.

Eu iria no Domingo ao cinema ver!

*A escala vai de 1 a 5

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Tenho lido o máximo de roteiros que encontra e percebo dois estilos de escrita. Tem um grupo de roteiros que o estilo é mais literário, exemplo para você entender, o roteirista narra ações e personagens de forma mais livre, como um romance.

Ex:

Curly arrasta-se até as persianas e cai de joelhos no chão. Está soluçando compulsivamente agora. Sua dor é tal que ele chega ao ponto de morder as persianas.

Gettis permanece imóvel na sua cadeira.

GETTIS

Tudo bem, agora já chega. Você não vai querer
morder as persianas, vai Curly? Mandei
instalar nessa terça.

Curly começa a falar lentamente, se levantando do chão, ainda chorando. Gittes apanha um copo de uísque e rapidamente escolhe uma garrafa de Bourbon barato dentro outros tipos de uísque mais sofisticados.

TRECHO do roteiro Chinatown, de Robert Towne traduzido do livro Os Fundamentos do Roteirismo de Syd Field.

Tambem há trechos em roteiros brasileiros como "Feliz Natal" de Selton Mello.

Ex:

Bruno está plantado na frente da casa da avó com o papel na mão

Por outro lado já li roteiros mais técnicos, que evitam certas descrições que só aparecem no papel, como os exemplos acima (SUA DOR É TAL, PERMANECE IMOVEL, ESCOLHE O UISQUE MAIS BARATO, ESTÁ PLANTADO)

Alguns roteiristas dizem que esse tipo de palavra deve se evitar, que movimentos que o personagem não faz em cena não devem ser descritos (como exemplo do PERMANECE IMOVEL, ESTÁ PLANTADO).

O que você acha disso?

Particularmente sempre escrevi – e como venho de uma vertente literária – de forma romanceada, já fico intrigado se estou desenvolvendo corretamente ou enchendo meu texto de informações desnecessárias.

Jeferson Rodrigues

Jef, você sempre me salva nos Q&A's! s2 s2

Acho que esta questão é bem simples: "literário" é bom e deve ser buscado. É o que dá o sabor à leitura aliado às vozes dos personagens e suas combinações (diálogos). É a sua capacidade de escolher as palavras mais visuais que vão manipular a "imaginação" do leitor.

O que não se pode fazer - em roteiros - é escrever coisas que não são possíveis de serem VISTAS na tela.

Perceba: nenhum dos seus dois exemplos está descrevendo algo impossível de ser visto. Apenas um é mais cirúrgico e o outro verborrágico. "Sua dor é tal" é usado como instrumento de comparação para descrever o que o personagem faz (morder as cortinas); tudo certo, pura construção de frase. "Permanece imóvel" pode ser descrito de mil maneiras, mas cumpre a função de dizer que o personagem não se mexe e até "escolhe o uisque mais barato, dentre outros tipos de uísques mais sofisticados" está dando uma direção de cena para a direção de arte (e pro leitor, claro) de que há de ter um uísque com rótulo menos requintado no meio de várias garrafas mais chiques.

Vou te dar um exemplo real de o que está errado:

Contrariando a física, 5 corpos ocupam o mesmo lugar num combalido FIAT UNO 1993 que vem descendo uma estrada tão quente que faz aquela ondinha de miragem. Dentro do carro MICKEY, MINNIE, HUGUINHO, ZEZINHO e LUIZINHO, voltam de uma conferência médica na Bahia, dividindo não só o suor - provocado pela óbvia falta de ar-condicionado - como um silêncio sepucral. Torta de climão evidente no ar.

Eu te pergunto; onde está(estão) o(s) erro(s) nesta descrição?
.
.
.
.
E aí, já sabe a resposta?
.
.
.

O erro está numa única oração: "voltam de uma conferência médica na Bahia"!

Sim, pois como você pode saber disto só olhando para os personagens? Só se eles tivessem uma plaquinha dizendo "estamos voltando de uma conferência médica realizada na Bahia" ou uma porrada de mini pistas para o espectador a la Sherlock Holmes juntar e deduzir (sendo que se fosse essa a intenção; também não seria assim o jeito certo de se fazer).

Todo o resto da descrição desta cena foi um jeito mais criativo(?) ou menos quadrado de apontar coisas que serão vistas e/ou sentidas através das imagens. Breaking down:

"Contrariando a física, 5 corpos ocupam o mesmo lugar num combalido FIAT UNO 1993 que vem descendo uma estrada tão quente que faz aquela ondinha de miragem".
A informação básica é que um pequeno carro velho de guerra, lotado com 5 pessoas, está num local muito quente. Fui lúdico aqui, específico ali, mas nada que não seja impossível de se ver em imagem.

"(...) dividindo não só o suor - provocado pela óbvia falta de ar-condicionado - como um silêncio sepucral. Torta de climão evidente no ar."
Idem. Reiterei o calor e a precariedade do carro e com a metáfora dei o "sentimento" da cena. O único problema é mesmo o lance da Bahia, que é algo que não tem como ser visto.


Vale usar qualquer artifício que você quiser para colocar seu leitor dentro da sua história. E nesse caso, faço um adendo ao que falei: só vale escrever coisas que podem ser vistas E SENTIDAS na tela. Por exemplo; eu uso onomatopéias quando acho importante que a galera entenda qual é a sonoridade que estou buscando (mesmo que não seja exatamente isso) e às vezes até uma frase com apenas um palavrão, simplesmente pra demarcar o clima do momento, tipo "putaquepariu."

Use metáforas, seja criativo; isso tudo é importante e é o que se espera de você. Mas fique atento para não fugir da essência do formato roteirístico.

Ah, uma última coisa que lembrei: também não exagere, pois, lembre-se, roteiros são peças técnicas e se você pirar nas descrições, vai ocupar muitas linhas e atrapalhar o trabalho de minutagem do filme feito pelo Assistente de Direção durante a pré-produção.

Abraço!

 
Quem dera o filme se auto-criasse e chegasse subitamente ao colo dos espectadores. Uma obra cinematográfica passa por 5 etapas bem diferentes entre si e o trabalho de um roteirista, pelo menos idealmente, é necessário em todas elas. Porém cada fase exige coisas diferentes de você. Tanto físicas quanto emocionais.

Nesta série de 5 posts falarei um pouco sobre o papel do roteirista - sua função, postura, dedicação e contrapartida - em cada fase de uma obra audiovisual. O post de hoje é sobre pré-produção.

A pré-produção nada mais é que o momento que compreende do "captamos algum dinheiro! Vamos começar a contratar mais gente e planejar como vai rolar essa filmagem!" até o "depois de amanhã é o primeiro dia de filmagem".

Função: Este é aquele momento análogo ao primeiro ano do segundo grau (pelo menos foi assim na minha época), onde os hormônios vão agindo e as meninas e os meninos desenvolvendo e de repente a menina mais desejada é ultrapassada por uma que ninguém reparava (mas que agora tem seios grandes) ou o menino anjinho que começa a brincar de campo minado na cara (espinhas) e a voz fica escrota indo do agudo ao grave em um nanosegundo. Você, que tava se achando o cara - e era mesmo! - agora não é mais tão rei. Logo se vê tendo que fazer seu trabalho em função do trabalho dos outros. Adaptando o que você escreveu (e todo mundo dizia que era lindo) para o que chamamos de "realidade". O produtor de locação chegou à conclusão que é impossível fazer esta cena numa ponte por cima de um rio à noite; você tem que encontrar um novo local possível pra essa cena e adaptá-la. Só podemos pagar 5 diárias de um certo ator pois seu cachê é muito grande; você tem que cortá-los de algumas cenas e adaptá-las. E por aí vai.

Postura: Este é o momento que exige mais maturidade da sua parte. Você não deve se esquecer nunca que o cinema é um esporte coletivo e isso não é o seu sonho e sim seu trabalho. Então DESAPEGUE! Entenda que o objetivo é o filme ser realizado e as outras pessoas tem muito a acrescentar. Claro, lute pelo que você acredita ser o melhor pro filme, mas se abra às mudanças, mesmo as não-desejadas por todo mundo e entenda que este é o jogo: se virar com o que tem e fazer o melhor disso.

Dedicação: Ainda é grande, mas po, pelo menos já há um tratamento base; você só está aprimorando algumas partes e adaptando outras de acordo com os problemas que as pessoas novas vão trazendo pra você.

Contrapartida: Você ainda está recebendo aqui, pois está escrevendo. Lembre-se, a cada tratamento, receba um dinheirinho. É assim que deve ser.


Veja outros posts da série "O Roteirista e as fases de um projeto"
Primeira fase: Desenvolvimento
Segunda fase: Pré-Produção
Terceira fase: Produção
Quarta fase: Pós-Produção
Quinta fase: Lançamento

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Olá Eduardo.

Meu nome é João Felipe e escrevo de São Paulo.

Primeiramente, quero lhe agradecer. Sou um estudante de Audiovisual e roteirista, em meu último e conclusivo semestre de Rádio e TV. Agora produzindo meu TCC, com base no roteiro que escrevi, me pego pesquisando textos, artigos e postagens sobre o mercado audiovisual brasileiro, buscando algum tipo de conselho ou dica complementar para o futuro.

Eis que encontro seu blog e percebo como você está tendo sucesso em suprir uma necessidade minha, e tenho certeza, de muitos outros como eu. A sua interação e hospitalidade para com os leitores é confortante de ler, e quando se passa metade do tempo pensando no próximo passo e em como dar esse passo, esse conforto é muito bem vindo.

Me identifiquei com um de seus textos onde cita que era conhecido como “o cara da TV” na faculdade e digo que gostaria de ter sido seu colega de sala, pois compartilho uma imensa fixação por séries ficcionais de todos os tipos. Aproveito para constatar que mesmo em cursos como Rádio e TV, o interesse por televisão é bem pequeno, e por rádio então, menos ainda.

Em suas postagens sobre o mercado, onde fala das maneiras de se fazer um roteiro ser lido, eu gostaria de dizer que fui aconselhado por alguns professores (os quais aproveitei como revisores) a enviar meu material para produtoras, na esperança de que fossem lidos. Minha dúvida então, é se você diria que esse método pode ser prejudicial (uma vez que pode ser visto como amador) ou se ainda assim é um método válido aliado aos outros citados. Alguns dos professores sugeriram a entrega do roteiro diretamente no endereço da produtora.

Um conselho que escuto bastante: Roteirista no Brasil deve escrever todos os gêneros e formatos para se manter. Gostaria de saber sua opinião mais a fundo no assunto e sobre como isso pode influenciar o ingresso no mercado.

Peço desculpas pela extensão do texto, e agradeço imensamente, mais uma vez, pela sua iniciativa.  Me recordo de ter lido que você talvez considerasse colaborações ao blog eventualmente e desde já me faço disponível caso possa contribuir de alguma maneira relevante.

Obrigado,
PS:  Fico ansiosamente na espera de mais posts relacionados a televisão ( promessa é dívida hein).

João Felipe

Opa, João Felipe!

Antes de tudo, muito obrigado pelas gentis palavras! Muito bom saber que estou conseguindo tocar algumas pessoas; faz tudo valer a pena.

Poxa, que doidera, no curso de Rádio & TV, não ter muito interesse nem por Rádio, nem por TV...

Sobre o lance de enviar seu material para produtoras; não é que eu sou contra isso. De forma nenhuma! O que venho falando é que vejo a galera roteirista que está procurando iniciar a carreira muito preocupada com o seu roteiro, dando um peso maior a ele quando o que o mercado procura é o roteirista e não o roteiro. Alguém que saiba escrever e seja confiável, gentil e tranquilo o suficiente para que embarquem numa longa jornada com ele. Então, se for uma realidade pra você, sim, concordo com o professor que aparecer lá em pessoa pode ser uma boa. Não do nada, sem aviso, na porta de casa ou do local de trabalho do cara. Mas após uma introdução de amigos ou algo assim. Mais uma vez; nada como um chopp social. Futuque no Facebook, Linkedin etc. para achar a cara dos nomes que você já ouviu falar por aí. Pessoas que aparecem na Filme B, que estão produzindo coisas e tal. Vê se tem amigo em comum, aparece num festival/palestra onde eles são convidados... é trabalho duro, mas dá pra ir construindo uma familiaridade (pouca coisa nesse momento é pra ontem) como ponte para mostrar que você é uma opção para roteirista.

A vida é muito anti-narrativa. Um fato dificilmente deságua limpinho em outro. É um bando de coisa randômica ou mal agembrada; Deus é péssimo roteirista. Mas olhando pra trás, com minha cabecinha de estrutura narrativa, se eu quiser traçar quando comecei meu trajeto até chegar à escrever o "A esperança é a última que morre", eu iria para 2005, quando estagiei na Conspiração Filmes. Eu não fui pra lá pensando "po, vou fazer isso aqui pra conhecer o Andrucha Waddington, apresentar meu roteiro e conseguir minha primeira chance!". Eu sequer sabia que queria ser roteirista; estagiei na área de direção - e aí descobri que não era pra mim mesmo - mas lá conheci a esposa do Calvito (Leal), diretor do "A esperança é a última que morre", que na época era segunda assistente de direção (e acho que nem namorava ele ainda) e, por causa disso, anos depois, numa conversa sobre "Lost" (olha a TV aí!), ela mencionou pra ele que deveríamos nos conhecer, pois tínhamos muito a ver um com o outro. Nesta época eu já estava começando a escrever e, papeando, se conhecendo melhor, fomos construindo uma parceria em diversas coisas - tivemos uma empresa junto e tudo - e, anos depois, quando os astros se alinharam, começamos este projeto que 10 anos depois chega às telas.

Percebe como foi uma sequência propiciada por calma, gentileza (por gentileza; e não pra conseguir algo), um pouquinho de cara-de-pau/desinibição, talento e "sorte" (com aspas pois sem as outras coisas que citei antes, ela não te favorece) que fez as coisas acontecerem?

E sobre os gêneros; não temos gênero, né? Apenas Drama e Comédia, as raízes mais profundas. Western, Ficção Científica, Fantasia, Filme de Guerra, Aventura... tudo isso é meio ghetto aqui no Brasa. Então nem faz sentido dizer que tem que fazer tudo, pois na real quase não se faz nada disso. Mas ok, vá lá; sim, no mínimo não atrapalha a iniciar a carreira quando você sabe escrever tudo, está disponível e tem a capacidade de fazer todos os gêneros. As chances são poucas, então é bom poder pegar carona nessa cauda de cometa que é um filme de gênero caindo no seu colo. Te facilita a pegar um trabalho comissionado mais cedo. Fora que é maneiro pra caramba, né? E faz bem pra sua escrita não ser um cara monofásico. Mas, repare, mais uma vez: é você a chave; e não o roteiro que você apresenta! Não faça 5 roteiros, um de cada tipo e saia distribuindo por aí. Muito raro alguém ter a presença de espírito (capacidade de leitura) de encontrar "você" no meio de todas as diferentes vertentes apresentadas nos roteiros. Esta idéia de "eu posso fazer outras coisas" quase tem que ser um afterthought, um segundo momento.

Resumindo a questão de "apresento minha multidimensão ou minha capacidade específica?": procure o que você acha que faz melhor, independente se é "vendável" ou não (pois pela milésima vez, não é o roteiro que você apresenta e sim o que você apresentou no roteiro!), e tente fazer o melhor possível nela. Se você mandar bem, naturalmente vão querer mais daquilo; você dá e aos poucos vai construindo uma oportunidade de mostrar outras vertentes suas.

Muita calma e paciência! Você escolheu uma carreira (longa, diga-se!) e não uma profissão. Acostume-se...

Grande abraço!

Faltam duas semanas para o lançamento de "A esperança é a última que morre" (3 de Setembro nos cinemas!), então, de agora até depois um pouco do lançamento, eu vou ficar postando no meu instagram fotos de bastidores, da vindoura pré-estréia e eventos correlatos e outras coisinhas que tirei durante quase todo o processo do filme (das filmagens à pós-produção) e guardei até hoje!

Porque você deve ir lá conferir? Porque tem muita coisa divertida, mas de alguma forma também reveladora do funcionamento de uma filmagem e do papel do roteirista nela. De certa maneira pode ser complementar à esta série de posts que estou fazendo sobre "o Roteirista e as fases de um projeto" e te ajudar a visualizar na prática a teoria. E também: pessoas famosas nas fotos!




PS: Sim, eu uso Android e, sim, eu uso headphone pra falar no telefone porque tenho medo da radiação do celular tão próximo da cabeça.

Quem dera o filme se auto-criasse e chegasse subitamente ao colo dos espectadores. Uma obra cinematográfica passa por 5 etapas bem diferentes entre si e o trabalho de um roteirista, pelo menos idealmente, é necessário em todas elas. Porém, cada fase exige coisas diferentes de você. Tanto físicas quanto emocionais.

Nesta série de 5 posts falarei um pouco sobre o papel do roteirista - sua função, postura, dedicação e contrapartida - em cada fase de uma obra audiovisual. Pra começar, pelo início: Desenvolvimento.

Este é o nome para todo o momento "anterior" à contratação da galera "Below the line". Idealmente aqui só está a galera "Above the line" e geralmente apenas o tripé oficial above the line (roteirista, produtor e diretor). *

Função: Sabe a série de post que fiz sobre os documentos de um longa? Então, sua função aqui nesta etapa é fazer TODOS eles. Argumento, Beat Sheet, Escaleta e Tratamento. O número de tratamentos vai variar de acordo com vários fatores. Desde os que dizem respeito à você (não conseguiu ainda deixar o roteiro suficientemente bacana/maduro pra ser filmado) quanto ao produtor (que não conseguiu ainda levantar o dinheiro/congregar as pessoas certas pra meter o filme em pré-produção). Você pode também ser requisitado a escrever algum outro tipo de documento - um texto de venda do projeto para algum patrocinador? -  mas é sempre bom lembrar que o mais importante é ter o roteiro bem escrito, então terfoco é vital.

Postura: Aqui é o momento que você tem que brilhar. Aqui o roteirista é o líder do filme. Não que você tome as decisões sozinho, mas você é a parte mais importante deste projeto. Neste momento estão todos realmente ouvindo o que você tem a dizer. É o momento que você tem pra realmente fazer a diferença e influir criativamente na coisa. Estão todos trabalhando para que você faça o seu trabalho, que é desenvolver a história (seja ela criação apenas sua, seja encomendada pelo produtor/diretor) e transformá-la em um roteiro.

Dedicação: Não está claro com tudo que falei? Go hard! Este é o seu momento; precisa do máximo da sua dedicação. É aqui que você vai levantar os pesos mais pesados. Mas muita parte é no conforto da sua casa, na sua administração de tempo, então dá até pra conciliar com outros projetos em outras etapas.

Contrapartida: Você deve estar sendo pago neste momento! Você é escritor, seu trabalho é escrever e você está escrevendo; logo você deveria estar recebendo agora. É o que eu acho. No entanto, este é um assunto, que já cobri neste post, que divide opiniões, então, vendo por outro lado, há um tempo para tudo e de repente é do seu interesse que o projeto vá andando mesmo ainda sem receber por isso etc. e tal. Então vamos aos extremos das coisas: o mínimo é que você faça de graça o texto de inscrição do projeto na ANCINE. Sem passar pela ANCINE chance mínima de realizar o filme, então mete bronca, são poucas páginas e pouca dedicação necessária. Após registrado, eu daria um tempo pro produtor - se ele disser que "no hay plata" - captar uma grana (mínima) pra pagar um tratamento feito por você (para, aí sim, ele começar a captar grande grana). Existem hoje em dia diversos editais específicos para desenvolvimento, então, se ele não consegue, via edital ou outras vias, chorar um dinheirinho na sua mão pra que você escreva um tratamento, ou ele é fraco ou o projeto é fraco/inviável. Melhor reavaliar as coisas. Já o máximo que você deve fazer é escrever já o tratamento do roteiro (lembre pra quem tiver chorando; esse é o seu trabalho! O diretor só filma se pagarem ele antes...) com um contrato já deixando estipulado que assim que for captado dinheiro pro filme, você vai receber X, de maneira Y e o que mais for. Outra forma tipo "ah, escreve aí, a gente vê depois" é uma furada. Tenha tudo estipulado para, se der ruim, ter um papel pra mostrar pro juíz e pegar seu ressarcimento pelas horas e horas que você trabalhou.

Pra encerrar uma dica: Deixar pra receber antes da filmagem ou depois é um problema porque você nunca sabe quando isso pode rolar de fato (shit happens all the time) e a retirada do dinheiro pode ficar vinculada a burocracia da ANCINE e você fica ferrado. Vincule seu pagamento a entrega do tratamento. E de preferência UM tratamento apenas. Se precisar de mais tratamentos, que paguem mais dinheiro. Pode até já deixar tipificado no contrato quanto vai ser cada tratamento adicional pra que nem você nem eles cresçam o olho, mas o ideal é que você não combine uma quantia por tratamentos ilimitados. É do interesse de ambos acertar o quanto antes para que o filme saia; faça o dinheiro ajudar nesta questão te dando calma psicológica e gás pra escrever e dando ao produtor certeza de que está gastando só o necessário.


* Above the line é um termo para denominar os indivíduos que guiam, influenciam, enfim; possuem voz para determinar e direcionar a narrativa de uma obra cinematográfica. Caso a caso, um ator ou outro cargo entra nesta definição, mas, necessariamente, roteirista, produtor e diretor (diria até que nesta ordem) são sempre parte deste grupo. Todo o resto (diretor de fotografia, diretor de arte, atores, assistentes, montadores, trilha sonora etc., ou seja, ligados só à parte de produção de fato da obra) são chamados "below the line". 

Veja outros posts da série "O Roteirista e as fases de um projeto"
Primeira fase: Desenvolvimento
Segunda fase: Pré-Produção
Terceira fase: Produção
Quarta fase: Pós-Produção
Quinta fase: Lançamento

3 Leos na Escala DiCaprio de bons filmes*


Confesso que uma coisa que achava triste quando o "A esperança é a última que morre" ía estrear no dia 13 era que eu ia me sentir culpado de assistir "Pitch Perfect 2", um concorrente direto. Então foi bom quando o filme foi adiado pro dia 3 de Setembro, pois pude ver sem culpa e inclusive dar a notinha aqui!

Ah, eu adoro o Pitch Perfect original. Este segundo não é tããão bem feitinho, acho que pós Midpoint ele engrena bem, mas todo o primeiro ato + primeira parte do segundo ato meio mal agembrado. Um bando de setpieces sem muita conexão. Ainda que menos, segue com a marca registrada de piadas de diálogos. Anna Kendrick the coolest chick. Rebel Wilson brilha muito. E por aí vai.

Eu veria ainda no fim de semana!

*A escala vai de 1 a 5

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Vamos ao desta semana!

Essa semana o Jorge Furtado lançou seu primeiro longa dramático no Festival de Gramado (Real Beleza), ele concedeu alguns entrevistas para os jornais locais e uma delas falou sobre o momento em que terminou o roteiro e ele era pequeno demais, achava até que não ia conseguir fazer porque na comédia é mais fácil cronometrar o tempo e já no drama há menos falas e mais cenas e silencio. Foi surpreso porque pensei "nossa! o Jorge Furtado com esse problema" um problema costumeiro pra mim porque estou sempre cronometrando tempo e analisando se no total o longa não estoura o tempo ou é pequena demais. O que você pode falar sobre o assunto?

Jeferson Rodrigues

Fala, Jef!

Minutagem é uma coisa complicada. Porque na teoria 1 página na formatação "Hollywood standard" equivale a 1 minuto. Mas na prática nem sempre é assim. O roteiro do clássico "Eraserhead" (1977), do genial David Lynch, por exemplo, tem 20 páginas e duração de 1h49 minutos! Mas, no caso, trata-se de um filme super não-ortodoxo, "cabeça"(ha! foi inevitável a piadinha), no qual faz sentido longuíssimas pausas que não conseguem ser quantificadas fidedignamente no papel. Imagino que os roteiros do Wong Kar Wai, do Apichatpong Weerasethakul (e basicamente todo o cinema oriental contemporâneo) sejam a mesma história: pouca página, muita duração.

No entanto, fora estes casos - ou seja, em geral; pois os supracitados são flagrante minoria no mundo do cinema - embora uma ou outra pausa possa ser maior, a formatação costuma equalizar tudo e no máximo apresentar margem de erro, pra cima ou pra baixo, de 5 minutos. Portanto me bate meio estranha essa história do Jorge Furtado. Não assisti "Real Beleza" e tampouco li os roteiros (o curto e o filmado) para avaliar com propriedade, mas levando em conta tudo que expliquei, me parece que o que causou essa escassez de páginas para ele foi algum problema na estrutura do seu roteiro.

Porque se você seguir os beats clássicos de um roteiro o que acontece mais frequentemente é o inverso; você estar muito longo, tendo que eliminar as gorduras e concentrar mais a sua trama. Parece-me que este problema de "seca" só ocorreu porque, pelo menos neste primeiro momento, ele não construiu sua história à partir de uma estrutura clássica. Aquela estrutura de 3 atos, mundo comum, tra la la, testada e provada há mais de 100 anos. E tudo bem, é o Jorge Furtado, acho que ele tem a moral pra tentar fazer do jeito que ele quiser. Ele fez "Ilha das Flores"!

Não sei como ele resolveu; se obteve sucesso procurando uma nova estrutura (acredito que não, pois o mundo todo estaria comentando que alguém descobriu uma nova forma), se ele obteve sucesso (re)enquadrando sua história na estrutura clássica ou se ele tentou encher linguíça/criar coisas paralelas (e fatalmente não obteve sucesso narrativo) para alcançar a minutagem certa. Mas agora deu até vontade de ver!

Valeu pela pergunta diferente, Jef!

 

Expliquei por alto os documentos pelos quais você passa na hora de escrever um roteiro de longa-metragem, mas na parte final, o Tratamento, a pincelada foi especialmente branda e isso se deu pois, na verdade, tem muita coisa que você pode fazer nesta etapa.

Uma delas - primordial e algo que ainda tenho que aprender a fazer com mais veemência - é primeiro IDENTIFICAR e SEPARAR o que está funcionando e o que não está funcionando no seu roteiro para, depois, PROTEGER o que está funcionando para que não seja perdido ou cortado por conta das coisas que serão cortadas ou mudadas.

Parece trivial; mas não é.

O roteiro é um corpo composto por várias partes (sequências, cenas, diálogos...) e às vezes sabemos onde está o problema, mas é difícil de apontar exatamente qual é o problema. E aí damos remédio para febre quando o problema na real era apenas uma dor de cabeça. Ou então, indo na outra direção mas continuando na metáfora do corpo, temos que tomar cuidado para, ao ver um problema no cotovelo, não amputar o braço todo: as unhas estão tão lindas; seria uma pena perdê-las...

Macabra demais a analogia?

A genial Jane Espenson, uma das minhas roteiristas preferidas, descreve o ato como "on the plastic" ou "laying down plastic" e faz muito sentido. Ela diz que usa-se esse termo pras cenas que provavelmente vão acabar cortadas; uma metáfora com o cara da máfia que é chamado para uma reunião e ao chegar ao local, percebe que o chão já tá todo cheio de plástico. É gênio, porque não apenas sugere que a cena (e o cara da máfia) vai morrer, mas que também coisas ao redor (diálogos ou whatever) tem de serem protegidos do sangue e outros danos advindos da matança.

Esta última parte, de proteger o que está ao redor, é o que me interessa mais. Acabamos sempre valorizando os problemas - instinto de sobrevivência purinho - e deixando de lado o que dava certo. Isso não nos ajuda como roteiristas. Temos que melhorar o que está ruim, mas NUNCA perder de vista o que está bom. Do que adianta consertar algo se ao fazer isso você está quebrando todo o resto?

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Olá Eduardo, tudo bem?!? Eu tenho alguns textos de longas e curtas e gostaria muito de produzi-los, mas ta difícil encontrar alguma produtora ou diretor que estejam dispostos a ler esses textos. O que devo fazer?!?

Leonardo Medeiros Borges

Não sei se é o seu caso, Leonardo, mas, às vezes, quando pensamos em produtora, imaginamos uma coisa "formal"; um escritório com uma secretária na porta, posteres na parede e mesas de reunião com "tartarugas" para conference calls. A verdade é que geralmente é bem menos glamouroso que isso. Uma produtora pode ser qualquer espaço que tenha um telefone, internet e uma ilha de edição, sendo que o termo "ilha" é obsoleto também, pois hoje em dia uma "ilha" pode ser um maczinho que rode bem Final Cut e pronto.

De toda sorte,  o mais importante - especialmente para começar (e você mesmo citou "curta") - são as pessoas. A constituição de uma produtora só é necessária para captar dinheiro e aí já estamos falando de um processo posterior da sua carreira (e da deles) que não deve ser apressado. Primeiro conheça uma galera para, juntos, começar a ver na prática o que é trabalhar como roteirista. Ter que adaptar coisas por razões orçamentárias ou problemas de produção e, por fim, ter algo seu filmado. Esquece "produtora"; você não conhece ninguém que esteja procurando material pra filmar? Já considerou ir à faculdades que tenham cinema na sua grade (ou cursos) para se enturmar com os alunos? - só cuidado pra não parecer muito creepy, dependendo da sua idade.

Perceba, meu conselho nada mais é uma repetição do que já falei no último Q&A e no post Ode a Forma: você está equivocado no seu objetivo; o seu ativo é você "Leonardo, o roteirista", e não o seu roteiro! É por isso que você não está obtendo sucesso. A gente determina o que é sucesso pra gente; a meta é definida por nós mesmos, certo? Você não tem como perder se você é quem faz as regras. Então esse não é o momento de você estar preocupado em produzirem o seu material original, pois se o fizer assim a chance é enorme de se frustrar. Você não conhece ninguém, não tem nada seu escrito que enfrentou o crivo do público... por que alguém - num mercado de tão poucas chances como o nosso, que produz menos filmes que os dias do ano - deveria arriscar tudo (e fazer filme no Brasil é sempre arriscar tudo que se tem) para fazer a sua história? Pense sem o seu coração e verá que é lógica pura.

Esse é o momento de você trabalhar como roteirista. No que você conseguir. Essa é a meta realista (e momentânea) de sucesso para um roteirista iniciante. Por isso falei: se não tem contatos no meio, crie sua galera; antecipe-se ao mercado e tente buscar gente talentosa que vai crescer e mais a frente te oferecer carona. Se você tiver contatos no meio, ok, mande seus roteiros; mas deixe cristalino na sua comunicação que você, claro, quer produzir-los um dia, mas o que está oferecendo é a sua escrita, seu dom de roteirizar histórias: você quer trabalhar!

Mais a frente quando se provar um cara interessante e bom no que faz, esperamos!, terá um leque de pessoas que antes diziam o que era a próxima coisa a se fazer e agora perguntam: "E aí, o que a gente faz agora? Tem alguma história bacana?".

Boa sorte! 

Saiu o teaser de "O Grande Gonzalez", a primeira série de ficção do Porta dos Fundos para a FOX!

Tive o prazer de trabalhar junto ao Ian SBF e o Gregório Duvivier como roteirista no desenvolvimento e primeiros episódios da série. Animado pra ver como ficou! Deve chegar à tv até o fim do ano.

Amigos roteiristas... precisamos conversar.

Recebo muitas mensagens via Q&A e vejo muitos comentários e posts em diversos locais diferentes na internet de roteiristas que tentam iniciar a carreira profissional sem entender porquê as coisas não estão acontecendo com eles, maldizendo o mercado e por aí vai.

Sou o primeiro a defender a gente, os roteiristas, - e sei bem como há reais e imensas dificuldades neste mercado - mas acho que uma auto-análise também é sempre bem vinda, então resolvi falar de algumas coisas que vejo que temos que melhorar/corrigir para poder ter mais sucesso. Uma espécie de "puxão de orelha" para apontar para um caminho melhor. Não fiquem na defensiva; eu provavelmente já cometi os mesmos erros, mas, com décadas trabalhando para melhorar, vejo de uma maneira diferente e, se escrevo isso, é porque acredito que vai ajudar vocês.

Deixa eu falar uma verdade:

Forma > Conteúdo

*Dudu sai correndo fugindo de todos os olhares julgadores*

Desculpa, mas neste momento é sim. Tem que ser pragmático: você ainda não é conhecido pelos produtores; então este é o primeiro encontro, certo? O superficial é o reparado. E levando isso em conta... antes de qualquer coisa: pessoal, é INADMISSÍVEL o jeito como uma galera escreve!

Eu sei, "internet é mais dinâmico", correria bla bla bla. Eu mesmo volta e meia cometo um erro aqui e ali, mas, olha... eu vejo e recebo cada coisa que é surreal. Não é só erro de pontuação, digitação... é erro de LÓGICA! E modos e conjugação e outras paradas que não sei nem classificar. Vejo coisas que literalmente não sou capaz de entender. Não é que são ambíguas; é papo de índio escrevendo. E tudo bem, viva os índios!, mas são palavras escritas por pessoas que dizem querer viver profissionalmente como roteirista! ESCREVENDO assim?! Não dá. Tem que melhorar isso aí. A sua escrita é o seu ativo! A sua capacidade de concatenar palavras e formar frases e manipulá-las em um contexto pra criar emoções e visuais é o seu trabalho.

Leia e releia em voz alta desde o seu email até o que você escreve nas mídias sociais, pois isto ajuda a definir sua imagem perante às outras pessoas. Quem vai sentir firmeza em você se você escreve como um disléxico pré-tratamento? Veja se o que você escreveu está fazendo sentido, pois percebemos melhor os erros na linguagem oral. Não está certo se está correto e o Google não é tão confiável pra certas coisas? Tudo bem! Simplifique. Use uma construção simples; na real quando você escreve simples é que fica legal. Adicione a isso a gentiliza, a educação. Imagine-se falando com um desconhecido (afinal eles são, né?!) de uma maneira cordial e amigável. E, por fim, leve este conceito também para o produto profissional de sua escrita: o seu roteiro.

Veja bem; numa situação de desejo e "pegação" - e você está arrumando o primeiro encontro, em busca do primeiro beijo, lembra? - a gente vai notar primeiro o sorriso, os olhos e outras partes sensuais físicas da pessoa para, só depois, caso tudo dê certo, conhecer (e, hopefully, se apaixonar pela) personalidade, alma e intelecto. No mercado é o mesmo: os produtores todos já tem seus projetos do coração e, se tanto, estão procurando pessoas que são capazes de pegarem a idéia/projeto deles e transformar em roteiro. Então é mais importante que você se preocupe no roteiro que vai ser o seu "pé na porta" com o equivalente a escolha da roupa que melhor te favorece, com o perfume e o cabelo penteado. Concentre-se nas vozes do seu roteiro; elas são interessantes e distintas? É importante que quem te avalie ache as falas formidáveis à ponto de pensar "putz, imagina esse cara adicionando diálogos flúidos como estes na minha história genial!". E o flow, o ritmo das suas páginas na sua narrativa; você está sabendo aplicar a dinâmica correta? É importante que quem te avalie perceba que você sabe quando acelerar e quando reduzir a intensidade, que você compreende o formato dramático de um longa metragem para que pense "quando ele pegar essa minha idéia super original, vai saber dispô-la da melhor maneira possível".

É a forma como você escreve! Não é - ainda - o que você escreve que vai te avançar na carreira.

O conteúdo é importantíssimo, mas é irreal (pra não dizer inútil e patético) você tentar ir atrás dele se não consegue nem dominar a forma. A forma é o básico. Você TEM que saber trabalhar as palavras. É verdade que elas sozinhas, sem conteúdo para sustentá-las, vão formar um esqueleto sem graça, mas perceba só: a alma sem um corpo não é nem reparada, vira éter e se dissipa. A forma é o seu caminho para o conteúdo. Ame-a e domine-a.

Mas, afinal... quando se usa CAIXA ALTA numa descrição de cena?

Às vezes parece que eu fico em cima do muro, mas é que a maioria das coisas de um roteiro se respondem assim mesmo: você usa quando achar necessário.
A caixa alta é usada para destacar algo. É esta a função dela e nada mais. Portanto, cabe a você sentir quando e o quanto necessita o uso.

Beleza, mas QUAIS são as formas de usá-la?

Olha, numa longa leitura (são 110 páginas!) você acaba tendo que utilizar este artifício para manipular a cadência de quem lê, dando ênfase a certas coisas que não podem passar batidas nem para o leitor que está tentando curtir a leitura, nem para o profissional que precisa destas direções para fazer o seu trabalho (ator, diretor e departamento de arte). O nome de um personagem que entra em cena, um objeto de cena que alguém pega ou até um adjetivo ou um verbo que merece ser lido (e depois visto) de forma mais "grave"; tudo isso é disposto em caixa alta.

Tentei juntar todos estes exemplos nesta descrição:

EXT. CALÇADÃO DE PRAIA MOVIMENTADA - DIA
FERNANDA, escondendo a cara de vergonha, anda ao lado de ROBERTO, que traja, orgulhoso, uma PUTA EREÇÃO em sua sunga! Uma VELHA tateia o chão com uma BENGALA e de tão impressionada com a cena, TROPEÇA e cai!

E como VOCÊ faz?

Faço meio do jeito que falei acima, talvez a única coisa que eu não faça como a maioria é a questão dos personagens. Eu gosto de usar caixa alta sempre com o nome do personagem, mesmo que ele já tenha sido citado na cena. Acho que isso vem do meu tempo de ator, pois nas leituras reparava que os atores (eu mesmo fazia isso) meio que queriam passar logo para a próxima fala e passavam batido nas linhas de ação/descrição de cena. Só que elas estão ali por um motivo, geralmente para cadenciar o ritmo das falas; então acho sempre importante destacar o personagem para que chame a atenção do ator e ele saiba que ele tem que fazer alguma coisa ali. Que não é pra correr para a próxima fala.