Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

 E aí, Edu?

Tive o prazer de conhecer sua sala e devo dizer que me senti bem confortável nela. Só posso parabenizá-lo pela iniciativa. mas tenho uma dúvida e gostaria que você pudesse esclarecer. No seu post, "Roteirista, pessoa jurídica", você aconselha aos iniciantes a inscrição no MEI. Concordo que seria uma ótima opção. Porém atividades intelectuais não foram contempladas na lista de profissões permitidas, incluindo a nossa. Minha pergunta é: você já conseguiu  se cadastrar no MEI? Como? Alguma dica?

Atenciosamente,
Duda Xavier

Fala, Duda!
Muitíssimo obrigado pela sua mensagem! Fico MUITO feliz de saber que você está curtindo a NOSSA Sala. Sabia que o investimento nas cadeiras acolchoadas valeria a pena; elas são mesmo bem confortáveis, né? Espero ver mais de você por aqui!

Sobre sua pergunta: caramba... não é que é verdade? Como disse no post, minhas empresas são SIMPLES antes de tudo por conta da época que foram criadas - nem existia o MEI ainda - e quando soube da criação desta nova organização de figura jurídica, vi que o faturamento seria baixo em relação ao que já estava conseguindo ganhar. Portanto, nunca me aprofundei nesta questão, vi só o "geral" e coletei com amigos editores de video etc. um parecer do que eles estavam achavando, se era maneiro e tal. Aí você mandou essa pergunta, fui pesquisar mais a fundo a lei e... fiquei tristão.

É um cristalino exemplo de como nossa profissão é desprestigiada, não é? Tipo; tem Abatedor de aves (ABATEDOR DE AVES!!!) nas descrições de profissões aptas ao MEI, mas não tem Roteirista!

Então, respondendo a sua pergunta: não, infelizmente não tenho nenhuma dica de como enquadrar roteirista no MEI. Talvez, o mais próximo de uma dica é fazer exatamente o que estamos fazendo neste site e, especialmente, neste post: discutir, se conhecer, conviver, se organizar e se unir!

Por isso reitero o quão feliz fico de receber as perguntas aqui no Q&A e participações nos comentários de pessoas como você. Posso parecer meio positivo demais (que triste existir algo como "positivo demais") - o mais maldoso diria que posso parecer deslumbrado - mas acredito de verdade que este site pode ser um ponto de encontro pra melhorar e valorizar o papel do roteirista no Brasil; dentro e fora do seu meio. São pequenos passos e uma longa jornada. Mas se chamarmos nossos amigos e colegas pra entrar nesta Sala e aos poucos nos entendermos, tenho convicção de que conheceremos os nossos denominadores comuns e, juntos, poderemos perseverar e ter NO MÍNIMO o respeito que um Abatedor de Aves possui. Não é pedir muito.

Portanto, panfletando mesmo, falo com você que está aí lendo esta troca: Eu e Duda e muitos outros cansamos de ficar no canto sendo o "escritor(a) esquisito(a) lá" e através deste espaço, vamos buscar nosso espaço. Aos poucos a Sala vai enchendo, mas nunca ficará lotada. Tem muita cadeira e guloseimas pra ficarmos à vontade e pelo tempo que for necessário. Espero que você use a sua voz e se una a nós nesta idéia!

Não precisa nem falar; tudo que você precisa fazer é o que você faz melhor... escrever!

4 Leos na Escala DiCaprio de bons filmes*

Adorei! Muito divertido, ágil. Tem uma história, tem um propósito. Aos poucos as comédias brasileiras começam a entender a necessidade disso. Boas performances do Danton e da Dani. Bela estréia do Tabet. E o Jaspion é muito fofo. Quero um pra mim.

É para ir ver no cinema HOJE mesmo, no mais tardar neste fim de semana! Vai lá, compra o seu ingresso e boa sessão!


*A escala vai de 1 a 5

Quando fui assistir "Annie" (2014), confesso que estava com o maior sono e achei que ia dormir - o que não seria nenhum demérito para o filme; acredito que dormir durante uma exibição não deixa de constituir uma relação entre você e o filme; ele te tocou de certa maneira e às vezes até continua a interação, influenciando nos seus sonhos. A pior coisa para mim é a pessoa sair de uma exibição no meio ou desligar o filme e nunca mais querer ver o que acontece depois da parte na qual ele parou. Essa é a morte para o storyteller; sinal de que realmente você falhou com aquele espectador.

No entanto, tudo que precisou foi de 22 segundos (sim, VINTE E DOIS SEGUNDOS) para, através de suprema perícia em storytelling, virar a mesa e eu ficar extremamente acordado, ligado e amarradão neste remake desta velha e milhões de vezes adaptada história. Que opening image precisamente oportuno! Às vezes, teimosos como somos, diminuímos a importância de regrinhas e artefatos de estrutura, mas vendo este exemplo de opening image bem feito, não tem como não ficar sem graça e abaixar a cabeça humildemente. Em 22 segundos, você estabelece o tom do filme, o tema e o escopo do projeto. Com graça, charme e contundência.

E, no caso, levando em conta se tratar de uma adaptação de uma história tão manjada que já é remake e não adaptação, isso é extremamente delicado. "Annie" é um marco cultural dos Estados Unidos; a imagem da ruivinha orfã está sedimentada na cabeça branca americana. Fazer uma versão com uma Annie negra? Como superar esta barreira? Will Gluck e a craque Aline Brosh McKenna (“O Diabo veste Prada” e “Morning Glory”) o fazem abordando este problema e rapidamente o tirando do caminho e falando: opa, isso aqui é sobre a “Annie B”.



Alguns dirão, com ou sem segundas intenções, se tratar de uma “apropriação cultural”, e eu poderia falar sobre isso por algumas semanas, mas a verdade é que a história de Annie faz muito sentido para a população negra americana. Talvez o negro que nasce hoje não veja assim, afinal há um presidente negro na Casa Branca(!), mas o adulto médio que vê o filme hoje vem de uma geração onde, mesmo com pais e mães, eram tal quais órfãos. Ainda imaculados pelo cinismo da realidade adulta, viveram o hard knock life de uma vida dupla – conciliando responsabilidades (do amadurecimento forçado e precoce; cuidando de irmãos enquanto a mãe trabalhava ou afundava em drogas e o pai – se soubessem quem é – estava na cadeia ou morto) e diversões (da sua óbvia tenra idade) – e a inocência e otimismo por um amanhã que no final das contas não virá. Não à toa, Jay-Z (que, ao lado de Will Smith e Jada Pinkett Smith, produz esta versão) alcançou em 1998 pela primeira vez o topo da Bilboard com o álbum “Vol 2... Hard knock life” que continha o que talvez seja seu maior hit (“Hard Knock Life”), sampleando as garotinhas do Annie original. Lembro que à época - 16 anos atrás. To velho... - muita da mídia branca achava curioso um hip hop sampleando Annie. Falavam que era muito irônico associar a imagem – à época – gangsta mafiosa de Jay-Z com a ruivinha que chorava as mágoas de ser abandonada e desconsiderada por todos à sua volta. Falhavam em ver o quanto isso tem a ver com toda esta geração de negros forçados a viver num lugar onde não havia espaço para eles.

Não que isso seja difícil, o que quase desqualifica o elogio, mas chorei diversas vezes durante o filme; esse assunto “criança bastarda” sempre bate fundo em mim. Mas independente da minha aptidão – considero uma virtude meu conhecimento não ter me tornado cínico e eu ainda conservar a capacidade de me emocionar, surpreender, desfrutar de um filme – o filme é lindo, muito bem construído. A inserção de Annie no ambiente urbano cai muito bem, sopra muito mais vida ao contexto. Difícil até lembrar que é um musical e falo isso como um elogio ao filme, mas de jeito maneira depreciação ao gênero musical, que admiro e curto de leve. Explico: o que eu gosto em musicais é exatamente algo que não acontece neste Annie (exceto o final, que é text-book musical); a mise en scene, a performance dos atores/dançarinos/cantores de outrora combinada com a destreza plástica dos diretores/coreógrafos que, juntos, criam um espetáculo visual de sentimentos através de grandes movimentos de câmera e mise en scene. Aqui, no novo Annie, se você tira a melodia e coloca só as falas; o filme se sustenta. Há cantoria, há alguma coreografia, mas o que norteia é o storytelling. A direção de Will Gluck não é tão incrível quanto seu roteiro com Aline Brosh McKenna. Mas nem sei se é justo pensar o quanto o filme seria melhor se houvesse uma exploração de mise en scene tradicional à musicais no cinema. O filme é o que é e parece ter rolado mesmo um investimento criativo em ser mais roteiro que direção; em ser enraizado num realismo, num urbanismo (daí até a escolha de um diretor relativamente inexperiente para uma franquia tão grande como essa). Então, melhor falar de quando isso serve como um trunfo, como em “Little Girls” com Miss Hannigan vendo literalmente garotas em tudo em seu apartamento (a mesa é uma garota, o abajour é outra...) e a sequência de “Tommorrow” (mais lágrimas) com Annie vendo pais e filhos em todas as coisas mundanas de uma cidade; é tão sutil e linda, feita de maneira tão simples, sem grandes coreografias exageradas e plásticas. E se o musical é meio isso mesmo – os personagens externalizam seus sentimentos em forma de cançôes – aqui o mesmo é alcançado de maneira ainda mais efetiva. Bom, pelo menos para mim fez muito mais sentido ela, após um setback de ter descoberto que em sua ficha de orfanato não tem qualquer informação de seus progenitores, ver pais e filhos felizes e com um sorriso melancólico cantar pra si mesmo “the sun will come out tommorrow” e, com o crescendo da música transformar o negativo em positivo (porque é isso que Annie faz do início ao fim de sua história; é do personagem), do que cantando para um cachorro que ela acabou de conhecer (como na peça da Broadway) ou para um quadro do presidente George Washington (!)(como na versão pra cinema de 1982).


O filme é inteligente e bem humorado na dose certa; com Gluck e Brosh McKenna não podia ser diferente. Os pontos de interseção com os outros Annies (pra quem gosta do cachorro, ele está lá com um propósito; para fazer Annie encontrar Stacks – a nova versão de Daddy Warbucks – de maneira que faça sentido) são eloquentemente adaptados, dando a sensação de ser o mesmo filme, ao mesmo tempo em que deixando claro se tratar de um novo animal. Esta conciliação é muito bem feita: na relação de Stacks com Grace Farell, nas piadas com o cabelo de Annie, em Stacks e seus maneirismos (e conexão com Annie, que faz bem mais sentido até pela questão racial, de alguém que se fez sozinho, diferente de Warbucks que não tinha muito porquê se conectar com Annie), numa atualização da relação do povo com políticos (muito menos idealizada do que na época da história original) e especialmente de Miss Hannigan cujo backstory de uma cantora fracassada e o arrependimento, ao final do filme, cairam muito bem.

A impressão, no geral, é que este Annie fez um trabalho de Script Doctoring nos anteriores, que possuíam supremos set pieces soltos com um arremedo de história sem muita fluidez ligando. Pegou estas peças e re-ordenou de maneira mais lógica, com stakes, reversals etc. e fez as perguntas que todo roteirista tem que fazer: “se isso é verdade, então o que mais é verdade? O que acontece depois disso?”. E, a partir disso, Annie se fez uma história bem ritmada, sem gordura, que constantemente renova o pacto de atenção com o espectador.


Contudo, gostaria que o Terceiro Ato fosse mais trabalhado. Sei lá, é até estranho um filme com tanto domínio de si mesmo ter um desfecho tão méh. Tipo, não era só o Bobby Cannavale pegar o celular e ligar pros “pais” da Annie? Já falei aqui sobre tecnologias matando o terceiro ato, mas eles nem se incomodaram de inventar a desculpa de que o celular está fora de área etc. A perseguição toda não faz muito sentido: apesar de fazer algo moralmente errado, os "pais" não são do mal, estão ali no carro até se perguntando “ué, porque eles estão nos seguindo?”... então porque eles fogem da polícia, arrebentam o portão do parque etc.? E, poxa, o conflito de Annie, que acha que Stacks, que aprendeu a amá-la, só a usou para publicidade, é tão bom, que você não entende porque investiram tão porcamente na adrenalina que leva a esse momento. Mas eu chorei mesmo assim.


Por fim, uma menção total extra-roteiro: Jamie Foxx is such a star. Esse papel cai como uma luva pra ele, que apesar de, como todos sabem, cantar muito, quase não canta no filme. Este tipo de papel, de humor, do adulto com alma de criança... ele faz tão bem. Desde sempre. Desde o "Jamie Foxx Show", finado sitcom da finada TheWB. Eu acho ele um bom ator em todas as áreas. "Any Given Sunday", "Colateral", "Django"... mas depois de uma sequência tão grande de papéis “sérios” em filmes “sérios”, é bom revê-lo estrelando em um papel destes com uma atuação tão cheia de coração.

Hoje, diferente da premissa deste blog, venho falar com os não-roteiristas. A galera que lê o blog mas é diretor, produtor ou qualquer outra função que, em algum momento, “pensou em uma idéia” e fez (despretensiosamente ou não) seu “pitching” e ficou pensando... se isso for adiante, eu tenho direito a $$$ e crédito “criado por”/”story by”, né?

Na verdade não.

Idéia vem de ideal e ideal é não-físico. Etéreo. Tá na sua cabeça, e na sua cabeça ninguém, além de você, consegue ver. É no papel que a idéia toma forma e passa a ser minimamente tangível, pois na cabeça tudo é perfeito; é emoção e não razão. É no papel que a lógica aparece e lógica é um cock-block do caralho (redundância poética e bilíngüe). Não por acaso a palavra deriva do grego Idea ou eidea, cuja raiz etimológica é eidos – imagem(!). Algo também imaterial, lato sensu.

Tenho para mim que uma idéia é um sentimento, no máximo um conceito. A própria lei de propriedade intelectual diz isso, vedando o registro de “idéias”; a primeira instância registrável é o que chamamos de Argumento, uma espécie de “Conto” da sua idéia. O Argumento descreve o mundo, os personagens principais e a trama da sua história. Então fica claro que uma coisa é idéia, outra é a materialização desta idéia. Outras pessoas ligadas ao projeto podem até indicar a mata, mas quem a ceifa (e com isso cria, de fato, um jardim) é o Roteirista.

Já escrevi roteiros cuja idéia inicial foi uma “piada” feita por alguém envolvido com o projeto, outros um acontecimento, outros um conceito (x+y = idéia)... elas podem vir em diversos formatos, mas só viram realidade quando você, roteirista ou não, traz lá de cima e põe preto-no-branco. Ou sei lá que cor de papel e tinta você usa.

Então it bugs me quando vejo pessoas ligadas ao projeto – únicas e imprescindíveis em suas respectivas funções – querendo dividir crédito, seja por questões financeiras ou ego, sem saber de fato o que é necessário para merecer aquele crédito. É nestas doideiras que inventaram o lamentável e evidentemente inseguro crédito de “um filme de”. O filme é de todo mundo, Fera. Isso é um esporte coletivo. Você não vai conseguir realizá-lo sem a ajuda de geral. Vai escrever, produzir, dirigir, atuar, fazer o figurino, maquiar, igual um projeto de faculdade? Pois é.

A pessoa que quer pleitear crédito tem que ser mais do que palpiteiro ou engenheiro de obra pronta, porque, afinal de contas, se eles acham que “todo mundo sabe contar uma história”, eu respondo com "Idéia é idéia, todo mundo tem...". Existe um (não tão) longo caminho até um produto impresso/registrado e o papel de baliza "sim, isso é legal", "Não; muda isso" não é criativo e sim executivo. Pra fazer jus a este crédito de autoria da história tem que botar a mão na massa e cimentar de fato alguns tijolos. E tipo; fazer um argumento nem carece de tanta destreza! É escrita básica. É contar uma história da maneira menos técnica que existe; como se você estivesse contando a um amigo o que acontece no filme. Este argumento não precisa ser usado pra venda, apenas pra registro. Ainda que haja muito trabalho posterior, que, inclusive, descaracterize aquele mundo/trama, o que vai valer como Argumento inicial pra esses fins é este primeiro registro. Mas depois pode mudar à vontade, inclusive trazendo alguém, tipo um roteirista!, com destreza para tornar mais palatável aquele argumento e, depois, transformá-lo em filme.

Não existe arbitração interna de créditos aqui no Brasil; em caso de disputa tem que abrir processo judicial e aí vira aquele jogo jurídico. Então, come on... se esforçem, colegas que querem disputar crédito. É só um papelzinho! Senta, escreve algo físico, registra e depois chama a gente pra conversar, se quer ter seu nome acoplado neste crédito. É muita petulância querer, na mão grande, entrar no crédito em cima do “eu tive essa idéia”, quando “eu” fiz essa idéia.

É muito comum para um roteirista trabalhar concomitantemente em múltiplos projetos; cada um em diferente estágio. Muitas vezes isso é ótimo, pois dá espaço para os Homenszinhos que moram no fundo da sua cabeça fazerem o trabalho deles – quando bater numa parede, é só mandar fax pra eles e focar em outro projeto. No entanto, para a “frente” da sua cabeça pode ser bem confuso.

Eu tenho um truque que funciona bem: crio uma playlist de músicas que, para mim, tem a ver com cada história e, ao trocar de projeto, dou um play nela para me lembrar do clima e entrar nele. Já ouviu uma música que te transportou à uma época? Então. A idéia é a mesma.

A memória musical é uma das mais fortes no nosso corpo; dizem que é a última que se vai. Existe um trabalho muito legal de musicoterapia com pacientes com Mal de Alzheimer no qual cada membro da família designa uma melodia individual para se apresentar - tipo “eu sooooou ooo Eduaaardooo” e “eeeeEEuuu sou a Fulaaaana” – de maneira que o paciente, por estar lidando com música, consegue fazer as ligações cognitivas e reconhecer a pessoa. Então, no nosso caso, a playlist é uma forma rápida e certeira de desligar uma chave e ligar outra. De entrar no clima e rapidamente lembrar e absorver todo o tônus do seu projeto.

A playlist pode ser do tamanho que for, mas geralmente a faço com umas 5 músicas (o suficiente para te dar um clima e não ser monotemática). Sempre tento, nesta playlist, apontar momentos do filme, ou seja, não é apenas denotar o “overal mood” do projeto, mas meter umas músicas tipo “essa aqui representa o momento de vitória dele no terceiro ato”, “essa aqui é a música do romance do protagonista” e por aí vai. Se der, coloco também em uma ordem lógica essas músicas - abertura/resumo geral do clima do filme, personagem principal, antagonista, fun and games, bad guys close in, all is lost e triunfo do terceiro ato – de maneira que, ao ouvir a playlist do início ao fim, eu “ouço” um resumo do filme na minha cabeça.

O melhor é que é um pouco como a idéia de escrever para um tipo de ator; você pode escolher a música que for. Você não deve pensar nessas músicas para estarem de fato no filme, logo não tem que se preocupar em conseguir permi$$ão com os compositores/editoras, não tem que convencer produtor/diretor sobre a necessidade da música... é importante reiterar: esta idéia de usar playlist é um instrumento para o roteirista e não para o filme. Um filme de época dificilmente vai ter música moderna rolando, né? Mas “One” do Metallica pode, para você, fazer sentido sobre a emoção do protagonista no terceiro ato e você coloca na playlist. Então, fique à vontade! Escolha aquilo que toca você e traduza para você o momento que você precisa entender/sentir.

Neste domingão, teremos a premiação da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos Estados Unidos da América, o famoso "Oscar". É uma boa oportunidade de reunir os amigos para ver a premiação (que é na maioria das vezes bastante cheia de entretenimento) e, por que não?, fazer um bolão pra se divertir. Até disponibilizei para download, aqui na Sala dos Roteiristas, os roteiros que se encontram na internet. Mas aí um amigo me fez uma pergunta na vida real (que trago aqui pro Q&A) que me quebrou: Como você escolhe a categoria roteiro? Basta ver o filme ou você lê o roteiro também?

Uau.

Nunca tinha pensado nisso e não vejo uma resposta simples. Não tenho como ser assertivo; apenas reflexivo.

Teoricamente, assistir ao filme seria o suficiente para julgá-lo; afinal roteiros são peças técnicas, certo? Elas nunca são um fim em si mesmo, mas talvez este caso seja a única exceção. Possivelmente a melhor maneira de julgar seja fazendo o combo: vendo e lendo, nessa ordem.

Acho que apenas vendo também é ok, mas pode haver alguma injustiça com o roteiro, pois o diretor/produtor pode ter mexido/omitido coisas ou os atores/diretores simplesmente não terem feito jus a algo que estava muito bem disposto no papel. É meio que aquela leitura posterior para "ah, mas aqui no roteiro isso tá muito mais bem trabalhado, faz bem mais sentido"... ou o contrário: "po, nada especial, era só a Meryl Streep mesmo".

A pior opção me parece ser julgar apenas lendo o roteiro, pois, mais uma vez, ele, sozinho, nada significa. Bons roteiristas conseguem criar imagens, ou seja, você só sabe se ele é bom quando vê o filme. Ok, outras pessoas podem cagar o roteiro, mas nesse nível, de ser indicado a Oscar? Dificilmente o fizeram substancialmente, afinal, ele tá lá indicado.

E na categoria de Roteiro Adaptado? Deveria, além de tudo isso, ter conhecimento do (livro/peça/curta/whatever) original? Eu acho que sim. Se é uma categoria especialmente pra isso...

Aí, fico pensando: mas como será que os membros da academia fazem? Afinal, pra ganhar bolão você tem que dizer quem vai ganhar e não quem deveria ganhar. O perfil dos votantes é de maioria da terceira idade caucasiana conservadora. Duvido que eles leiam os roteiros. Acho que eles usam a segunda opção: apenas veem o filme. Ir atrás do original na categoria roteiro adaptado? Duvido. Tudo presunção minha, verdade. Porém lendo umas entrevistas de alguns (ok, pequeníssima amostragem) não parece ser apenas estereótipo...

É complicado... o Oscar em si é complicado. Estamos falando de uma premiação com lógica de mercado mesmo. É a própria indústria escolhendo quem merece ter seu "passe" valorizado, um jeito dela se auto-congratular e aumentar seu cacife. Uma espécie de retro-lavagem, apontando e aumentando o valor de novos valores. É uma marca tão forte que, dentro desta lógica, as pessoas e empresas - que desejam ter sua carreira valorizada - começam a investir não apenas na produção criativa de um filme, mas na campanha deste filme para o  Oscar. A questão financeira passa a fazer diferença no resultado. Sabia que existe RP especializado em premiações (Golden Globes, Producers/Directors/Writers Guild, Academy Awards...)?

É investimento pesado e eficiente. Em 2009, Avatar era barbada, mas a campanha de Hurt Locker (Guerra ao terror, no Brasil) foi tão apelativa que demoveu os votantes de votar nele em favor de um filme patriótico. O custo de propaganda em época de votação pro Oscar (que involve mil coisas for your consideration, desde outdoor, anúncio em publicações especializadas da indústria, exibições do filme e cópias do filme entregues para os membros da acadêmia) é de 5 a 8 milhões. Acha caro? Um filme apenas indicado para o Oscar de melhor filme tem um aumento em geral de 8% em sua bilheteria.

Além de tudo isso, ainda há o método de votação, onde você declara sua preferência de 1 a 5 (ou a quantidade de indicados que a categoria tiver) mas não há obrigatoriedade de votar todas as categorias, quiçá de atribuir notas a todos os nomeados dentro da categoria!. E, mais uma vez, lendo as entrevistas de alguns, você percebe que o cara não tá nem aí. Diz que não viu o filme x, então nem coloca lá ou até que "não é digno do meu voto". 

Então, como analisar de maneira certeira pra cravar aquele bolão? Eu acho que não tem como. A cabeça de cada votante vai se reger de uma maneira e as circunstâncias da promoção de cada filme vai ter atingido (e influenciado) os votantes de formas diferentes. E mesmo que isso não fosse um problema; do que adianta pensar qual é o filme que os caras mais curtiriam, se o filme que mais ficou ali na meiuca pode ser o vencedor e não o que ficou mais vezes em primeiro lugar? A verdade é que não deveríamos dar tanta importância a isso tudo que envolve o Oscar. É utopia, mas o legal seria se fosse algo tipo "ei, olha quanto filme legal" (e essa safra de 2014 foi mesmo muito forte) e celebrarmos eles como um todo, sem escolher um "melhor". Como não é bem por aí, temos que apreciá-lo pelo que é. Entretenimento, glamour e chance de confraternizar com amigos (eles lá entre eles e a gente aqui comendo pipoca e curtindo).

Tendo dito isso, eu diria que:
Roteiro original - Acho que Birdman  leva, mas Boyhood deveria ganhar.
Roteiro Adaptado - Acho que Whiplash  leva, e Whiplash que deveria ganhar mesmo*

*Na verdade, Whiplash seria minha escolha pra Roteiro Original, mas a Academia bizarramente considerou adaptado, mesmo com o WGA considerando original. Pra mais sobre essa história, clique aqui

E você? Quais são suas idéias sobre o Oscar? Quem você acha que leva? Dê seu palpite aí nos comentários!

 
Então, você escreveu seu primeiro roteiro e está confiante, pronto para botar ele embaixo do braço e bater em portas com tenacidade e um sorriso vencedor! Muito bem! Apoio 100% a atitude, só não esqueça da auto-preservação; já registrou o seu roteiro?

Aqui no Brasil temos basicamente uma forma de proteger nossa obra intelectual: registrando-a no Escritório de Direitos Autorais da Biblioteca Nacional. Nesse estágio é bom para quem for ler ter segurança de estar lendo algo original - o correto é nem ler, se não estiver registrado - e também para inibir quem ler a copiar seu roteiro. No entanto, mais pra frente,, em caso de disputa - alguém dizer que você plagiou algo ou você reclamar de plágio de sua obra - seu registro servirá como documentação de "quem fez primeiro", ajudando na sua defesa/acusação.

Ou seja: o registro, por si só, nada faz. Você te, que ir para um campo não-especializado para decidir qualquer disputa intelectual.O que é uma pena... nos EUA, onde tudo funciona de forma muito mais eficiente que aqui, os roteiristas protegem suas obras registrando-as no WGA (Writer's Guild of America), o sindicato dos roteiristas, onde ela própria faz essa arbitração. E vai mais fundo; no caso de roteiro com diferentes roteiristas em diferentes roteiros, eles que determinam a questão de créditos com regras já pré-estabelecidas e arbitrações internas quando necessário. Eles que lidam com residuals (o dinheiro de direito autoral por re-exibição da sua obra, produtos ancilares etc.). Aos poucos escreverei mais sobre isso, pois esta organização de procedimentos nos falta (e muito!) e nos prejudica como profissionais imensamente. É lamentável, deixamos na mão de outros e, sem regras, vira terra de ninguém.

Mas se isso tudo parece complicado, o simples ato de registrar é muito... simples.
É um serviço barato (R$20) e rápido. 1) Você paga um GRU em qualquer Banco do Brasil, imprimindo na internet a Guia ou no próprio caixa do banco. 2) Preenche a ficha de registro e averbação da EDA 3) Anexa à guia do GRU paga, comprovante de residência, cópia de CPF e RG e cópia do seu roteiro todo rubricado e entrega no Escritório de Direitos Autorais lá no Palácio Gustavo Capanema. Rua da Imprensa 16/12 andar. Castelo, Rio de Janeiro. CEP:20030. Clique nesse link para ter toda a informação completinha do passo-a-passo.

Tranqui, né? A parte mais chata é ter que rubricar todas as (110!) páginas do roteiro. Tendinite agradece.

Tem gente que também fala sobre mandar uma carta registrada pra você mesmo com a sua obra e deixar lacrada, só abrindo no caso de contestação. Mas é meio falho isso aí. Não sei se se sustenta num tribunal. Fora perder a carta etc. e tal, então... BN neles, né?

Por fim, apesar de ser raro, com a crescente aproximação de majors americanas e/ou multinacionais e com a observação do Brasil como um mercado consumidor interessante, você pode precisar registrar de forma "internacional" o seu roteiro. Bom, apesar de nossas leis autorais estarem regidas dentro do Tratado de Berna, com o qual provavelmente a totalidade de países com os quais você pode vir a tratar em sua carreira internacional se regem - se bem que Angola é de língua portuguesa, mas... -  não custa registrar no WGA o seu roteiro. Quer dizer, custa. 20 dolares. 10 para membros do Sindicato. Acho besteira, no entanto. Só quando realmente é necessário o registro. Eu tive que fazer uma vez em 2010 em um projeto de série televisiva que a FOX Television Studios "optioned" (uma espécie de compra do "direito de vender a obra" para algum canal. Eles viram corretores e pagam pra isso; ainda raro no Brasil) e foi relativamente tranquilo. Clique neste link pra ter todas as informações pertinentes.

Não disse que você tinha que ser esperto com sua carreira? Infelizmente não é só sentar, escrever e entregar. Você não é empregado de ninguém, é um homem-empresa. No futuro vai até poder contratar um assistente que vai correr atrás destes pormenores pra você. Mas também não se assuste. Não é um bicho de sete cabeças. Você conseguiu escrever 110 páginas de um roteiro! Muito mais difícil! Passar por isso vai ser difícil na primeira vez, mas aos poucos você pega o jeito.

Qualquer coisa deixe sua dúvida nos comentários, que - já há 10 anos registrando - um atalho e outro já devo ter apreendido!

O processo de roteirização de um filme, especialmente no Brasil, leva bastante tempo. Eu comecei a escrever "A esperança é a última que morre" - meu primeiro longa, lançamento previsto para Agosto deste ano -  em 2009! Neste processo, é natural você escrever e re-escrever milhões de vezes. Cada vez que você re-escreve do início ao fim e entrega pra quem de direito for (produtores, diretor e equipe), chamamos de "tratamento". Quando foi filmado,  em 2013, o roteiro do Esperança tinha 12 tratamentos.

De certo que muito evolui e o tratamento final costuma ser sempre o mais enxuto e irredutível quanto à história. Mas há algumas coisas que você perde no caminho exclusivamente por conta deste processo longo e repetitivo, e não por serem obsoletas ou fracas. Especialmente piadas de diálogo e reversals/twist de trama na narrativa.

É normal, neste extenso processo, de tantas idas e vindas, que pessoas falem "ah, essa piada nem é tão boa... vamos cortar?" NÃO! Entenda que comédia é também a arte de surpreender. Quase como uma mágica: se você sabe o truque final, o "hook"/punchline... não tem tanto wow, tanta surpresa, tanta graça. Logo, é natural que lendo e relendo a mesma piada mil vezes, ela já tenha sido naturalizada. Parece "manjada". Mas oras; a piada do "é pavê ou pra comer"... aposto que um dia já foi inovadora e engraçada! Mas depois da milésima vez...

Só que o seu roteiro foi lido, ainda que milhões de vezes, por 10 pessoas (no máximo). Espera-se que seu filme/programa de TV seja visto por bem mais pessoas que isso. O que você tem que se ligar é: essa piada foi engraçada na primeira vez que leram? Está em linha com quem esses personagens são/a situação pela qual eles estão passando? Se foi "sim" pras duas perguntas, não tem dúvida; mantenha-a e lute por ela. Saiba explicar o que a faz engraçada (Roteirista tem que sempre entender a matemática de uma piada de diálogo) e lute pela sua permanência, usando como argumento este fator de repetição vs. frescor.

O mesmo acontece com plot twists/reversals na sua trama. Depois que você sabe que na verdade Verbal era o Keyser Soze em "The Usual Suspects" uma porrada de coisa fica meio "óbvia" e sem graça na história. Escrever é também uma arte de saber dosar a quantidade certa de dúvida e certeza para o espectador. De saber quando ele tem que estar à frente dos personagens na descoberta de fatos e quando ele tem que estar na mesma página, se surpreendendo junto com ele. Mas quem já leu e já sabe as respostas, fica "em vantagem" nessa relação e acaba, naturalmente, achando meio óbvia a conclusão. 

O roteirista deve sempre repensar todos os fatores de seu roteiro milimetricamente, mas neste caso o feitiço vira contra o feiticeiro e "over-pensar" te atrapalha. Respira fundo, não vá na onda de cara: no caso de twists/reversals, busque alguém que não sabe nada da história para ser o seu juíz. Deixa ele ler e não pergunte se ele foi surpreendido - pois o cara pode ser malandrão e sacado após algum tempo; isso pode acontecer por sorte ou competência independente da sua destreza em dosar as pistas. Pergunte se ele matou de cara o mistério. Isso é o importante: está muito na cara? Já vimos todas as surpresas do mundo; nunca haverá um Norman Bates neste estilo de novo. Já no caso da piada, acho que nem precisa rolar uma arbitragem: analise-a você mesmo. Entenda-a e veja se ela nunca teve graça de fato ou se os críticos já não se acostumaram com ela e agora estão te privando de criar o novo "é pavê ou pra comer".

4 Leos na Escala DiCaprio de bons filmes*

"50 tons de cinza" my ass. Você deveria ver "Annie" no cinema esse fim de semana! Corre,assista na primeira sessão que der. Class act. Só não levou 5 Leos por causa da resolução do 3º ato meio frouxa. Jamie Foxx is such a star. Sinto falta dele em papéis assim, com atuações "despretenciosas".


*A escala vai de 1 a 5

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Na hora de escrever um roteiro adaptado de outra obra, que estratégias são usadas para adequar as narrativas? Até que ponto é "saudável" ser fiel ao texto original?

Bruno Janot

Grande Janot!
Prazer imensurável!

Na hora de adaptar acho que só uma coisa tem de ser fiel-fiel ao original: o tom, a alma. De resto eu acho que tem que se submeter às regras do meio para o qual você está adaptando a obra.

Sabe, expectativa não é o problema do público que, familiarizado com o original, vai consumir um derivado. É a incompreensão de que o meio/a mídia condiciona totalmente a obra.

Peguemos um livro e um filme. Um é a capacidade de estimular sentimentos através de palavras. O outro é a capacidade de estimular sensações através de imagens. Botei itálico para chamar atenção à diferença sensorial de cada ferramenta, mas também, tão importante quanto, é a diferença de efeito de cada uma, a diferença entre sentimento e sensação, onde este é provocado de fora pra dentro - segundo o dicionário, sensação é a "impressão produzida pelos objectos exteriores num órgão dos sentidos, transmitida ao cérebro pelos nervos, onde se converte em ideia, julgamento ou percepção." - enquanto aquele (os sentimentos) são informações que seres biológicos são capazes de sentir nas situações que vivenciam.

Percebe? O livro, por mais que seja feito por outrém, só ganha vida no leitor. Quando abrimos um livro, fazemos em nossas cabeças um "filminho" do que lemos. Enquanto uma obra audiovisual, ainda que possa ser percebida diferentemente de espectador pra espectador, nunca será vista diferente. O que quero dizer; o Jack demora a mesma quantidade de segundos pra soltar a mão da Rose e afundar morto no mar gelado - 8 segundos. Eu contei. - em Titanic. Independente de quem esteja assistindo. Já a narrativa disto num livro pode tocar num ritmo totalmente diferente na cabeça de cada um.

Então, o foda é que quando não sai da forma como imaginávamos no filminho em nossa cabeça, refutamos como caído, infiel. Às vezes ainda usamos argumentos elaborados, como "eles cortaram um personagem brilhante" ou "aquela sequência de quadribol era vital" ou até "mudaram X, que no original era Y e isso transforma completamente o outcome da coisa!"... mas são argumentos vazios. Cada meio tem suas regras e suas construções. A adaptação só erra e torna-se caída ou infiel quando não alcança/trai o espírito original. O tom do mundo e os personagens; o tema e a moral da história. Pense os "Batman"s de Tim Burton. Excelentes peças audiovisuais, mas muito distante do que é, de fato, a alma do Batman (muito melhor capturado nas adaptações de Christopher Nolan), logo adaptações fracas.

Já a imprecisão de fatos, desfecho/desenvolvimento diferentes... tudo isso é secundário se o espírito e o coração estão no lugar certo. Pense toda a série do Harry Potter e até os próprios Batmans de Nolan; tem várias coisas que não batem com o original, e - talvez até por isso - são puta adaptações!

Então, como espectador, sempre que nos depararmos com algo adaptado, o qual o original já vimos, temos que encarar como um outro animal e apreciá-lo pelo que ele é. Como roteirista idem, pensar no nosso animal de sempre (estrutura) mas com roupas inspiradas no original. Pense bem: não é justo; é tipo você estar namorando uma menina e ela ficar toda hora falando como o ex-namorado dela fazia isso ou aquilo diferente da forma com a qual você lida com as coisas. Ou fica no original ou se abra pro "novo"/adaptado.

Valeu pela excelente pergunta, meu caro!

Se você me perguntar, o .Gif animado é a maior expressão visual da era digital e vendo este vídeo do interessantíssimo canal PBS Idea Channel - indicação do Vicente em um comentário em outro post – fiquei pensando: ok, fato que ele já está se fazendo presente plasticamente em veículos audiovisuais, em especial o mais audiovisual de todos, o vídeo clipe. Mas... e narrativamente?

Como Brainstorm hoje, proponho pensarmos como uma linguagem tão relevante quanto a do Gif animado pode ser inserida/absorvida/espelhada/utilizada em uma estrutura narrativa de roteiro.

Se você está pensando “Ué, mas já fizeram isso...”, é verdade. Meu filme preferido de todos os tempos “Groundhog Day” (no Brasil, Feitiço do Tempo), mímica narrativamente, de certa forma, um gif animado, mesmo que eles só tenham sido inventados alguns anos depois (será que foi criado inspirado neste filme clássico de Harold Ramis?). Mas se dizem que “a História repete a si mesmo”, no cinema “a história é a mesma, só que diferente”. Quais outros elementos de um filme podem ser construídos se assemelhando a um gif animado? *

Deixe a sua viagem aí nos comentários! Bora trocar uma idéia!


*Não se preocupem se, mais uma vez, não entenderem onde estou querendo chegar, pois nem eu sei. Brainstorm é assim... se soubermos onde queremos chegar, não é brainstorm; é “quebrar a história”, preencher o beat sheet.

Uma das minhas primeiras birras pré-adolescentes, eu lembro, foi com o filme “Welcome to the Dollhouse” (1995) de Todd Solondz. Sem ver o filme, no máximo alguma parte do trailer, ficava puto de ver o bonequinho do O Globo batendo palma de pé para um filme “tosco e cafona”. Era um absurdo todo mundo estar falando bem daquele filme – a crítica era bem animada, dizendo que era um filme nota 10 – enquanto o “Space Jam” e “The Rock” eram no máximo o bonequinho sentado vendo o filme.

Que adorável nerdzinho eu era, não?

Anos depois - nem lembro porque assisti; faculdade? – este filme foi responsável também por um dos meus primeiros momentos “oh, wow... como eu era idiota”.

Que incrível pequeno grande filme. Eu adoro tudo nele. O roteiro, os atores, direção, arte, o figurino, a música... – além dos hits “Happy Anniversary” e a faixa tema, eu sempre imagino o somzinho da guitarra + tons da batera quando estou puto, querendo destruir algo.


Mas vamos lá: lembra que num dos meus primeiros posts indiquei dois livros de roteiro pragmáticos para o jovem roteirista se familiarizar com o que acredito ser a melhor forma de estruturar roteiros de filmes? Entendo que unindo ambos você tem o esqueleto + os músculos para criar um corpo chamado "roteiro de filme". A alma é você que traz, não se encontra em nenhum dos dois livros. No entanto, eu vejo a alma deste como uma crítica a um elemento muito presente no livro que seria o responsável pelo músculo, a "Jornada do Escritor" de Christopher Vogler. Não o livro especificamente. Mas a absorção de uma mitificação exacerbada nos passos lógicos de uma estrutura de filme. É fácil entender o porquê disso; é muito recente a escolha de assuntos banais, personagens comuns e tramas não-épicas quando pensando uma história. Antes tudo tinha que ser vida-ou-morte, ame-ou-deixe-o. Mas a vida não é bem assim. E logo logo filmes como esse, e outras tantas obras de livros etc., chegaram e disseram: ei, nem sempre isso é necessário para pagarmos R$30, aguentar 1 hora e 30 na cadeira do cinema e se sentir recompensado por isso.

Mas sabe o que é sempre necessário? Algum tipo de estrutura. A vida é muito caótica; o ser humano não-esquizofrênico precisa de uma lógica. Ainda que fluindo bastante em seu storytelling - trata-se, até onde eu sei, de um dos primeiros expoentes da estética do fluxo - as bases de sustentação de uma estrutura, estão lá em Welcome to the Dollhouse. Uma fundação firme executada pelo engenheiro (roteirista) para que - aí sim - o arquiteto (diretor) pire no aproveitamento daquele espaço.

Vejamos; é um filme que não se resolve em si mesmo no sentido clássico? Eu acredito que sim. A vitória final é a "aceitação" de sua derrota. O que não há é a "catarse", a vitória, pois catarse = mitificação. A brilhante cena final mostra Dawn Wiener deixando de lutar/se integrando no inferno que a vida é, sendo mais um grão no deserto, rumo ao símbolo máximo da mitificação infantil, a "casa de bonecos": Disney World.


De certo que há um Catalisador, um fato através do qual se desencadeia uma história: o aparecimento de Steve Rodgers na vida de Dawn. Há claramente um Midpoint, uma falsa derrota quando Brandon vai “estuprar” Dawn e ela dá o seu primeiro beijo e sente borboletas (será que agora tudo mudará?) e um All is Lost quando Missy é seqüestrada por culpa de Dawn e Brandon é expulso do colégio e resolve fugir de casa. E tem até um terceiro ato com Dawn se mexendo para resolver as coisas... e falhando em todas elas. Parece frouxo, não? Steve Rodgers não faz Dawn mudar nada e o Catalisador é descrito como o fato que ocorre e deixa o Herói sem qualquer opção que não mudar/agir. Missy ser sequestrada é uma falsa vitória e pouco põe a perder, já que Dawn já não recebia muito amor de ninguém... o All is Lost deveria ser "ela agora está pior do que quando o filme começou" e é difícil dizer isso, uma vez que a trama se dá toda em uma linha flat dentro do campo “Dawn está na merda".

Mas esse é o lance. Essa é a proposta do filme. Welcome to the Dollhouse é um painel de um mundo. Através daquela ambientação o espectador interage e no fim é isso. É um sem propósito proposital. Ao contrário do que toda estrutura de roteiro diz , "a mudança não é inevitável" na história de Dawn Wiener. Pelo contrário; ela parece quase inalcançável. Nossa protagonista - porque o ponto do filme é exatamente acabar com a parte do "mito", do "herói"; não tem nada nobre nela, é apenas a pessoa cujo a história resolvemos ver -  vive uma vida que, como todas outras, dispõe de seus problemas e unicidades e ao final do filme, apesar da ida para a Disney World, ela continuará tendo aqueles mesmos problemas, não aprendeu uma grande lição, nem deixou de aprender. Apenas flutuou, fluiu e isso passou.


Aquele papo: pra saber subverter as regras, tem que conhecê-las, e, por isso, eu, tão temente à estrutura, venho fazendo reflexões sobre filmes assim. Para que a gente a conheça mais e entenda mais a funcionalidade e efetividade dela. Estabelecendo esses paralelos, podemos pensar o que é irredutível a um roteiro. E, se semana passada vimos que, para suplantar uma estrutura frouxa, sem "stakes" (sem trocadilhos) Chef se apoiou na pornografia visual e num fun and games eterno de apenas good vibes, sem setups e payoff, aqui a força do filme se dá no reverso, um “guilty pleasure” de ver aquilo que é o contrário do sonho americano (o pesadelo americano?); um contraponto ao contemporâneo “Patricinhas de Beverly Hills”. Aquele nervoso de não conseguir tirar os olhos, tipo quando passamos por uma batida de carro. O roteiro fisga o espectador consistentemente com um dos melhores trabalhos de If-Then em diálogos que eu já vi. Você nunca espera o que vem em seguida. Mas sem ser uma coisa Wes Anderson, de esquisitice inesperada. É só uma questão de “caraça, não acredito que conseguiram, de maneira lógica, aumentar ainda mais o conflito”. O mundo comum desse filme é impagável. Contundentemente te insere nesta realidade, onde até mesmo o nerdzão que acabou de ser porrado pelos bullys, dá uma mijada em Dawn, quando ela tenta dar-lhe suporte. 


Welcome to the Dollhouse é um mundo cruel porém muito justo com o espectador e com os personagens. Não menospreza a inteligência de nenhuma dos dois. É horizontal – sem ser visto de cima pra baixo. Honesto, sem firulas, sem demagogia, fornece as ferramentas necessárias para que entendamos o que ele fala e, assim, dialoga e não panfleta. Discute e não briga.

O curioso é que mesmo na época, ele não parecia ser feito... naquela época. Nem antes, nem depois. Welcome to the Dollhouse é atemporal. O tipo de filme que eu gostaria de ter feito.*


*Não que alivie a barra do bonequinho; The Rock e – especialmente - Space Jam são filmaços! Mereciam mais.

Você leu meu post “trabalho e não sonho”? Nele eu preparei a sua postura para a hora que você tiver que sentar à mesa para ouvir críticas e/ou discutir o seu trabalho. Agora é hora de te preparar para o que está do outro lado da mesa.

Infelizmente a maioria das pessoas que vão fazer “notes” sobre seu roteiro não são muito preparadas para isso. Os muitos que falam, quase sofrendo!, que “precisamos de roteiristas”, costumam ser os mesmos que no fundo acham que roteiro é uma mera formalidade. E são esses que vão avaliar seu roteiro.

A verdade é que roteiros são peças simples de serem apreciadas (ou não), mas MUITO difíceis de serem realizadas e, por conseqüência, entendidas. Gostar (ou desgostar) não significa entender (ou não) uma obra. Poucos sabem ler roteiro no Brasil. Pouquíssimos entendem de fato o que é uma estrutura, os beats clássicos/momentos de um filme, o percurso natural de plot, curvas dramáticas. A noção de faculdade de cinema para profissionais de cinema é muito recente; a maioria destes "gatekeepers" (sejam "leitores", produtores, executivos etc. e tal) vieram (e/ou vivem) da publicidade. Eles sabem que a galera gosta de x ou y (nada relacionado ao seu roteiro), são antenados e tem referências interessantes. E isso é ótimo para engrandecer seu roteiro. Mas eles entendem os elementos e a técnica de um bom storytelling? Conseguiriam sentar e transformar as coisas da cabeça deles em linguagem roteirística, visual, com ritmo e blábláblá? Nem a pau. E aí é muito complicado, pois sabe quem manja disso? Você! Você estudou essa ciência específica, você sentou por horas e suou pra tirar da cabeça aquelas letras. Você ficou com a história na cabeça - não existe “deu meu horário!”; se você é roteirista você está SEMPRE trabalhando - você testou, trocou, viu o que funcionou e o que não funcionou. E aí vem a pessoa e, comumente, dá uma orelhada. Quer mudar algo por achismo. Ou por gosto. “Por que isso é azul? Eu diria que isso é verde”. Oras, é azul, pois sou o roteirista, estudei todos os elementos desta história e ser azul faz sentido com todo o resto!

Pior; às vezes a pessoa não consegue identificar a causa real do que achou estranho e aponta um sintoma completamente diferente para justificar algo que ele não entende ou não gosta. Aponta duas coisas antagônicas dentro de uma estrutura, que simplesmente não tem como acontecer juntas. Isso quando não escolhe algo para mudar apenas por jogo de poder, intimidado/enciumado porque você foi capaz de algo tão complexo, que ela, exímia contadora de histórias, life of the party, não consegue fazer assim de forma tão eloqüente quando no papel, o que requer técnica/inteligência específica.

Eu costumo lidar bem com dois tipos de “notes”: os de ordem de produção, direção ou qualquer área correlata ao produto final – tipo: “não podemos filmar na Lua. Faz essa cena em outra locação?” Ou “esse ator é muito bom de comédia física, vamos dar algo assim pra ele?” e notes sobre estrutura. Estrutura mesmo: “Midpoint não está dando um sentimento de urgência. Falta um ticking clock” ou “Sinto que o personagem principal poderia perder mais no All is lost”.

Já quando são notes baseados em gosto e achismo eu sofro. "Eu não gosto" é triste. E mesmo introjectando na cabeça que isso não é um sonho e sim (e apenas) um trabalho, vejo nos olhos das pessoas que a minha cara não está das mais serenas. De certa forma, talvez nós, que colocamos nosso coração e alma na escritura (não conheço outro jeito de chegar à página final que não esse), quando ouvimos alguém dizendo que não gostou de algo do roteiro, basicamente entendemos como: não gostaram de mim. Mas isso é infantilidade e vulnerabilidade nossa. Coisa de artista; o que não queremos ser, certo?

Então - apesar de numa ordem não ortodóxa - acho que encerro esta seção de posts (como chamo? “o roteirista e seu lugar”?) com esses três mandamentos pra você seguir em frente sua carreira com pouco sofrimento e muitos frutos:

1. Cinema é coletivo; pessoas vão intervir no seu trabalho. (leia o post completo) 
2. A maior parte das pessoas que vão avaliar o seu trabalho, os gatekeepers, digamos, não faz a menor idéia de como se faz o seu trabalho. 
3. Para que você consiga dar o seu máximo e ser duradouro no ramo, sabendo destes dois pontos acima, você tem que entender que não é um artista; isto não é seu sonho e sim seu trabalho. (leia o post completo)

Entao você terminou o seu roteiro. O ato 1 tá indo direto ao ponto, deitando todas as regras desse universo, deixando claro qual vai ser o desafio. O ato 2 taca o leitor de pára-quedas em um mundo novo e super engajante (seja comédia ou drama), e no ato 3 você trouxe tudo de volta pra casa com o seu personagem principal se mexendo para superar todos os obstáculos. Muito bem!

Mas antes de entregar seu trabalho para quem quer que seja (o produtor que comissionou, o concurso de roteiro ou seja lá qual for seu plano) não fique com medo de mostrar o resultado pros seus amigos. Se você tiver amigos roteiristas, melhor ainda, claro. Um amigo roteirista vai saber apontar melhor questões complexas, a troca é sempre valiosa. Mas estou falando da galera leiga mesmo.

Cada um reage de uma forma, então também esteja pronto pra tirar alguma coisa deles. Se imagine um repórter! Nem que sejam perguntas brandas (qual personagem você mais/menos gostou? E cena? Onde você riu? Onde não riu? O que você achou mais confuso?) Você acaba tirando algo disso, pois a percepção dos outros pode não ser tão igual a sua. Nem que seja pela curiosidade mesmo.

Não só quando o roteiro está pronto. Durante, e até antes de começar, você pode usar aquela orelha amiga. A verdade é que ficamos muito donos-da-nossa-própria-verdade enquanto escrevemos e é impressionante como ao verbalizar algumas coisas com pessoas que não estão por dentro do babado, acabamos abrindo mil janelas na nossa cabeça. São incontáveis as vezes que eu fui externar pra minha namorada um problema que eu estava encontrando num roteiro e antes mesmo de acabar de explicar, só por ter vocalizado, os homenszinhos do fundo da minha cabeça já tinham mandado um fax com a solução.

O papo com os outros só te beneficia. Não fique com medo de “alguém ler e copiar”, isso é besteira e até amadorismo. É não acreditar no seu potencial. Idéias tão aí no ar pra todo mundo pegar, mas 5 entre 5 “montadores de pula-pula” vão escrever um roteiro de uma maneira diferente. Registra pra ficar de boa, divida e aprenda. Só cuidado pra não alugar as pessoas também! Ninguém merece o amigo roteirista pegajoso e inseguro. Trate-os com carinho, afinal, são seus amigos e você ainda vai escrever muito nessa vida, espero eu!

2 Leos na Escala DiCaprio de bons filmes*


Quando o trailer mostra TODA a história do filme...

Bom pra quem gosta de filme de guerra por filme de guerra. Eu deixaria pra ver quando passasse na TV a cabo.



*A escala vai de 1 a 5

Todas as sextas-feiras eu respondo perguntas enviadas pelos leitores do blog. Se quiser me mandar uma, acesse este link e aperte enviar (ou tente nos comentários!).

Vamos ao desta semana!

Você já fez algum roteiro pra teatro? Quem faz roteiro pra cinema costuma fazer roteiro pra teatro e vice-versa?

Paulo Pilha

Fala, Pilha!

Não há uma regra. Conheço alguns roteiristas de cinema e TV que já fizeram peças de teatro. João Falcão teve uma carreira de sucesso no teatro antes de ingressar na TV e fazer dois filmes para o cinema ("A máquina" e "Fica comigo esta noite"). A genial Patricia Andrade, responsável por roteiraços do cinema nacional da última década (como "2 Filhos de Francisco" e "Salve geral") e minha parceira no aguardado "A Esperança é a última que morre" (em agosto nos cinemas!),  escreveu para o teatro "Cassia Eller - o musical" e, com o não menos genial e querido mestre Nelson Motta (dispensa créditos, né?), o também musical "S'imbora, a história de Wilson Simonal".

Pelo que conversei com ela, na última vez que papeamos, é um ramo especialmente interessante pela questão financeira, pois no teatro você também pode negociar uma porcentagem na bilheteria, mas, diferente do cinema, onde um filme fica em cartaz por - no máximo - 2 meses (e se você for muito sortudo!), uma peça fica anos rodando o país. Claro que, no caso dela, são peças high profile (e não poderia deixar de ser, devido a sua existosa carreira), mas, considerando a natureza não-CLT da nossa profissão, é um bom investimento mesmo fazer um roteiro para teatro, ganhar seu dinheirinho e, sem fazer mais quase nada, deixar a peça lá rendendo um pouquinho como se fosse uma poupança, mês a mês, gerando mais segurança e tranquilidade, enquanto você faz outros trabalhos e acumula mais dinheiro.

Agora... eu?!

Nunca fiz. E não me imagino fazendo. Nunca fui de teatro; tenho horror à interatividade. Só de imaginar que o ator pode me ver na cadeira, entro em pane pensando "pqp e se eu tossir e desconcentrar ele?". Então não saberia nem por onde começar. Mas, claro, seria um desafio maneiro. Se um dia pintasse uma oportunidade que me animasse a aprender,  pois se cinema e TV já diferem bastante entre si, Teatro então é um animal completamente diferente... por que não?

Valeu pela pergunta, fera!

Abração!

A complexidade desta prática está no nome: Audiovisual. São duas coisas diferentes unidas para criar uma outra nova e única parada. E quando você sai do plástico e parte para o narrativo; aí é que surgem ainda mais elementos pra você somar, usar e seqüenciar. No post de hoje, a dissecação da centelha criativa que pretendo trazer é algo como: “usando elementos próprios da linguagem audiovisual para estabelecer novas experiências”.

Separei dois exemplos para explorarmos usos ressignificativos de elementos audiovisuais:

1)...with a laugh track/Lugar errado

O primeiro exemplo eu vi no genial e extinto talk show “Space Ghost Coast to Coast” do Cartoon Network nos anos 90, onde, algumas vezes, eles exibiam desenhos antigos do Space Ghost... com claque! Eles pegavam um episódio e, em cima dele, colocavam risadas, aplausos (quando um personagem entrava, por exemplo) e “oooh” em momentos tocantes. Este direcionamento ao engraçado em cima de algo otherwise sem graça, tornava a coisa muito mais hilariante que muita coisa feita intencionalmente para ser engraçada.


Pequena digressão: Apesar de, neste caso, a claque estar sendo usada quase como um comentário em cima dela mesmo, de forma "irônica", eu não sou como os brasileiros que comumente malham a claque, classificando-a como algo “menor”. Sinceramente, não tenho saco pra esse ponto de vista. É tão infundado que chega a ser burro. Oras, o cara faz um plano fechado em uma arma para direcionar a audiência ao suspense de sua possível engatilhada e isso tudo bem, mas direcionar a audiência a rir com a marcação de uma risada aí não; é cocô... É tão estúpido. O discurso narrativo é exatamente este; direcionar o público à algum lugar! Atribuíram à Hitchcock uma frase que dizia que, para ele, atores eram como gado. Ao saber disso, ele disse que não haviam sido exatamente estas as suas palavras e sim que “atores deveriam ser tratados como gado”. Pois eu acho que ele resolveu fazer essa retificação porque, pra ele, o verdadeiro gado é o público! Os storytellers audiovisuais devem ser pastores/flanelinhas que ficam conduzindo o espectador para onde eles devem ir e todos os recursos – montagem, trilha, timing do ator, CLAQUE! – tem seu valor e propósito para este fim e devem ser usados. Então relaxa, cineasta! Abrace a claque! Quando você estiver como espectador, não resista ser comandado para algum lugar. Não se sinta menor por estar sendo comandado. Um bom chefe o é pois sabe ver o que o funcionário sente; permita-se se surpreender e ser submisso ao invés de ficar second guessing em tempo real.

Ok, fim do desabafo- quer dizer, digressão.


2) A presença do ausente.

Em percepção musical você aprende que, na música, o silêncio é tão ou mais importante que o som. Só som é ruído; a ritmação intercalada do silêncio e do som fazem a mágica. Se no primeiro exemplo, o do Space Ghost, era a adição de um elemento alienígena àquele contexto, agora, neste segundo, é o contrário: subtração de um elemento inerente à ambientação. Sem a música, fica um longo som ambiente awkward, o que confere novos sentidos à cena. Novas intenções são dadas para os personagens.


Existem vários outros exemplos deste tipo de brincadeira com elementos narrativos - como esse aqui que é uma hipérbole do primeiro exemplo, onde colocam claque em momentos bastante inapropriados e esse cuja ausência da claque faz uma falsa ressignificação (ou seria super-reiteração, uma vez que a cena fica ainda mais engraçada?) – e eles costumam sempre render produtos que te intrigam e entretem. São perspicazes. Uma espécie de de piscadela do filmmaker, nivelando-se ao público, afinal ele também é consumidor daquele produto.

Mas ainda não vi um que o uso do elemento de forma resignificada fosse o fim em si mesmo. Não sei nem mesmo se isso que falei faz algum sentido. O mais perto que chegaram dessa noção tão fresca que não consigo nem explicá-la é o GENIAL “Too many Cooks” do Casper Kelly (que você TEM que ver. Sério.)

Mas a seção Brainstorm tá aí pra isso... às vezes eu só tenho a lenha, você só tem o álcool (seu alcoolatra) e o post, que é quase uma divagação, age como fricção... aí *boom*: fez-se o fogo!

A impressão que dá ao assistir "Chef " (2014) é que Jon Favreau cansou de fazer seus filmes blockbusters (Iron man, Iron Man 2) e falou “Sabe de uma coisa? Foda-se Hollywood; quero fazer um filme pequeno, sem pressão, brincar/testar”.

Chef  é um prato cheio para todo roteirista teimoso (pleonasmo), que – apesar de temente às “regras” estruturais de um roteiro – se pega pensando “hmm, mas e se eu não fizer assim? É possível?”.

Tudo é possível, cara. Mas vamos com calma pra você não morder mais do que consegue mastigar. Analisemos primeiro algumas leis de roteiro que Chef  não segue:



Regra 1 – “Tem que ter conflito” 
Você vai ouvir isso milhões de vezes porque... bom, porque tem que ter mesmo. Ninguém quer assistir um filme onde os personagens estão de boa. Não precisam de nada, temem nada, tudo como deveria estar. Chef  tem conflito, não me entenda errado. É a história de um pai que não dá atenção para o filho por causa da carreira agitada (conflito: amor x trabalho) e, pior, um trabalho cujo a relação fim/meio não está valendo a pena; ele quer inovar, fazer pratos mais “sinceros”, mas o dono do restaurante não quer mexer em time que está ganhando (conflito: tesão x segurança). Entre outros...

O lance é que geralmente, quando falam do conflito, estão pensando nele como elemento de trama e não como subtexto emocional. Ou seja, sendo bem formuláico/estrutural: o conflito tem que ser visto/desembocado em ações durante o segundo ato e, especialmente,encerrado no terceiro ato. Querem que o conflito climatize e nos ofereça a satisfação final de saber que o Herói enfrentou (e venceu) tal conflito.  

Chef  faz do conflito sua entrada, mas não o prato principal ou a sobremesa. Aborda o momento mais “fantástico/conflitante” da vida do protagonista, mas... não tem uma grande catarse de trama do meio pro final. Não tem um “low point”, muito menos um “All is lost”: o cara repara que o mais importante pro seu filho é estar com ele e vice-versa... e assim é feito. Bora ficar junto, show. Semestre que vem, depois da escola, é nós. Não tem a “corrida pro aeroporto”, não tem a “High Tower Surprise”.


Regra 2 – Setups e Payoffs 
Há! Olha eles aqui de novo. Se em Boyhood o resultado parece premeditado e a opção parece coerente à narrativa “naturalista” do filme, em Chef, que tem a narrativa mais tradicional, a falta de setup e payoff (e sua dose de drama) salta ainda mais da tela. Você vê John Leguizamo largando o restaurante pra trabalhar no food truck e fala “Ah, esse amigo dele... vai trabalhar sem receber? Fato que quando ele voltar o caminhão já não vai estar mais lá! Safado!”, mas não... ele é só um bom amigo que está afim do desafio. O filho começa a trabalhar “Ah, o muleque vai se cortar/queimar e a Mãe não vai deixar ele continuar ali. Vão brigar, ele vai falar verdades; acabou o lar doce lar!”. Mas não... Chef é o filme mais good vibe do mundo. As coisas dão certo porque – e isso tem a ver com o último ponto – às vezes na vida, desculpe-nos Hollywood amarga e pessimista, as coisas dão certo! A felicidade (ou ao menos a tranqüilidade) é sim possível sem ter que invadir um castelo e matar um dragão. E é possível ter 2 horas de entretenimento sem este drama de "high stakes". 

3 – Corte a gordura 
Existe uma minutagem ideal para cada elemento de trama que acontece num filme, cada beat, como chamamos. Apesar de termos estimativas, às vezes uma cena sai mais curta ou mais longa do que o previsto e de repente você se vê cortando coisas para que as peças encaixem melhor, sua história como um todo tenha um ritmo mais adequado e os espectadores se engajem nela. Em Chef o primeiro ato é looongo... a aventura começa com quase uma hora de filme! Tem movimentos repetidos (bastava a primeira crítica negativa)... mas funciona mesmo assim. (Talvez até por isso) Você fica feliz pra caramba quando ele ta ganhando a estrada com seu food truck, se entrosando com o filho e o amigo etc. Aquela gordura, que claramente é gordura, parece dar sabor para a refeição como um todo. Oras, nem todo mundo é louco por saúde, pode se dar o luxo de comer a parte menos nutritiva, mas que faz bem ao coração!


Calma, jovem cineasta! Tenho que fazer o advogado do diabo aqui...

Chef tem duas coisas que diminuem o peso destas três regras estruturais que, sempre que observadas, garantem engajamento do público: um incrível elenco (Dustin Hoffman, Scarlett Johanson, Robert Downey Jr., Sofia Vergara, Oliver Platt...) e comida. Sim, é pornografia pura. Mesmo que você vá “comido”, vai ficar com fome após ver o filme. Estes dois elementos “visuais” te ajudam a ficar entretido na trama – aliás, repare como ambos aparecem com mais destaque no início do filme. No segundo ato, você ainda tem um elemento meio “Road movie” de cidades americanas e seus “points” tradicionais de comida.

Você nem sempre vai poder contar com isso enquanto roteirista. Comida é universal; todo mundo gosta- pior, todo mundo precisa! Quando você estiver falando sobre, sei lá, mercado imobiliário!, terá uma porrada de gente que não vai estar nem aí pra isso ou que não vai conseguir nem fazer qualquer conexão com o que está em risco etc. As estratégias, sendo seguidas, te ajudarão a suprimir esta distância.


Então, o que Chef  ensina – ou melhor, reitera... todo mundo sabe disso, né? - é que na arte nenhuma regra é “lei”, apenas um costume facilitador que em geral melhora sua obra. Se Chef  não se preocupou com o esqueleto do filme; o tônus, os músculos estavam tão fortes que sustentaram o corpo sozinho. O tema do filme é relevante, o personagem passa por uma transformação significativa e com um final feliz tradicional em todas as áreas.

Talvez, tivesse apertado ainda mais as rédeas do storytelling, do jeito que faz com seus blockbusters (ou até mesmo com seu primeiro hit, o pequeno e ótimo "Swingers") Jon Favreau faria Chef sair de um filme indie para potencial papa-prêmio. Talvez. Mas, desculpe a milésima metáfora com comida – aliás, impressionante como a língua/cultura portuguesa é ligada à comida, não? - às vezes a liberdade de ser um food truck é muito mais interessante que os impostos que você tem que pagar quando é um restaurante 4 estrelas.

Uma triste constatação que o estudante de cinema que pretende ser roteirista faz ao sair da faculdade é que: opa, não há um “emprego” de verdade.

Lá vem papo chato; muito melhor quando falamos sobre técnicas de escrita, né? Mas isso é importante pra você, acredita em mim!

A verdade é que nesse ramo, 90% dos roteiristas não terão um “emprego”, um “cargo” de verdade; trabalharão como prestadores de serviço, abrindo uma empresa (ou uma figura de pessoa jurídica ou, mais carinhosamente,PJ) e celebrando contratos com outras PJs (a Globo, uma produtora de cinema etc.). Como a carga tributária em cima de uma contratação/demissão de pessoa física na CLT (herança do populismo de Getúlio Vargas) é muito pesada para o contratante, então, no nosso ramo, onde vive-se de audiência e iniciativas com curta duração, contrata-se por projeto e não para... carreira, digamos.

O que isso significa? Bom, pouco importa. It is what it is. Mas, puxando para o cerne deste blog, o que você precisa saber o quanto antes é: se a primeira constatação que você fez é a de que não há “emprego”, a segunda deve ser que não bastará ser bom escriba; você tem que aprender o quanto antes a cuidar do seu negócio.


Tive experiências bem traumáticas, então aprenda com os meus erros ao invés dos seus- olha que beleza! Algumas dicas:

1) Construindo a sua Empresa 
Parabéns, você é um empresário! Não tem como fugir, você vai ter que abrir uma empresa; um Recibo de Pagamento Autônomo (RPA), que te permite receber por um trabalho na sua conta de pessoa física, te tira quase 30% do que vão te pagar. Não que os impostos de PJ sejam suaves; dependendo do estado onde você abrir sua empresa (sim, você pode abrir empresas em estados diferentes do qual você mora) a porcentagem do valor o qual você abre mão pode chegar a 16%. Mas esse é o Brasil; paraíso dos trabalhadores e da máquina estatal e terror dos empresários, esses malvados que produzem empregos. Porém, se antes não havia muita escolha e você era obrigado a arrumar um sócio e abrir uma PJ SIMPLES, a boa notícia é que em 2013 o Governo criou uma nova modalidade, o MEI (Micro Empreendedor Individual), que traz impostos, burocracia e custo de abertura bem menores, mas com uma limitação de faturamento de 60 mil reais anuais. Sim, um roteirista no nosso mercado pode receber bem mais (graças a Deus!), mas a MEI é uma excelente alternativa pra quem está começando ainda - fazendo um roteiro por ano, uma sériezinha aqui e ali - até porque, com estes impostos menores, seu dinheiro, mesmo que pequeno, será mais rentável. Acho, então, que hoje o jovem roteirista pode trilhar um caminho muito mais sustentável sem ter que gastar uma grana pra abrir uma SIMPLES (papo de 4 mil bonecos e 3 meses de burocra). Faça primeiro uma MEI e só passe para a SIMPLES quando, de fato, você notar que seu faturamento extrapola o limite de 60 mil por ano. *
* Você não pode ter MEI e SIMPLES - é uma ou outra - mas pode, a cada início de ano mudar, se assim for necessário. 

2) Sócio + Contrato Social 
MEI = Micro Empreendedor Individual. Outra vantagem. Mas, como você vai fazer muito sucesso e ganhar muita grana, precisará passar para a SIMPLES, na qual é obrigatório a existência de um sócio. Muita gente coloca gente da família, um sócio “invisível”, pois assim não dará trabalho. Mas muita gente também precisa de um companheiro de trabalho que possa dividir os gastos de se manter uma empresa (rachar o salário do contador, rachar o custo de abertura da empresa, rachar as taxas administrativas da conta de banco da empresa...). Nossa...tão mais fácil ter um emprego, onde além do salário direitinho na sua conta você ainda recebe ticket refeição-transporte, convênio médico, décimo-terceiro, previdência, multa boazona em caso de demissão, seguro desemprego, participação nos lucros...

Se você for colocar algum sócio atuante, por favor, tenha muito cuidado. Você conhece bem essa pessoa? Entenda a palavra sócio ao pé da letra; você será cúmplice em qualquer erro/problema que a pessoa se meter/meter a empresa. É complicado, pois às vezes as pessoas erram ou falham mesmo sem más intenções, mas não adianta chorar pelo leite derramado, então, de toda forma, confiando ou não na capacidade (e principalmente) no caráter da pessoa, é importantíssimo que você faça muito bem feito o Contrato Social da empresa. É ele a sua chave de saída dos problemas. É como casamento. Não favoreça nenhum dos dois. Permita uma possibilidade de saída da empresa fácil, mas justa. Movimentação de conta idem. Encontre o caminho do meio. Faça esse pré-natal junto e sem tentar tomar vantagem. Se ambos (ou mais sócios) fizerem nessa vibe, acho que dará tudo certo. Se outro não estiver nessa vibe, se estiver puxando sardinha pra um lado; desconfie.

3) Contabilidade 
Por último, contrate um contador. Eles são muito complicados, agem numa lógica só deles, mas é obrigatório ter um vinculado a sua empresa. De toda forma, é importante que você vire um contador também. Cola no seu e aprenda o que você puder de contabilidade. Saiba que cada nota fiscal que você passa, além do desconto na fonte, você terá que pagar PIS, COFINS e ISS mensalmente e CSLL e IRPJ trimestralmente, que todo o ano você tem que fazer a declaração de imposto de renda (concentra no contador a sua física também, mais fácil) e converse com ele sobre contribuição pra sua previdência, pois ninguém ta pagando isso pra você, empresário opressor! Seja esperto, pois a cada mês matamos um leão para comer e o Leão do fisco tá de olho; se você se confundir ou der mole é confisco. E nos piores termos possíveis: no ato do não pagamento de alguma coisa é 60% de juros na cara. Você estando por dentro de tudo – é seu negócio, é sua vida! – é um a mais pra reparar qualquer deslize e consertar a tempo.

Enfim, deveria haver na faculdade (pra todos os cursos) uma cadeira tipo “Mercado de Trabalho 101” onde você aprende os direitos e deveres do empregado e do empregador. Demiti/Fui demitido; o que devo dar/cobrar? Mas, como não há, achei importante falar essas coisas. Ainda estou aprendendo, resolvendo problemas passados. Espero que vocês não desanimem e saibam que tem que cuidar dessas coisas. Boa sorte!

Escrever um personagem com um ator em mente é inevitável. E geralmente só te faz bem. Você começa a observar os trejeitos daquele ator em outras jornadas, pega algumas coisas dele e combina/adapta à voz do personagem que você ta criando.

Mas às vezes é uma cilada, Bino. Shit happens, lembra? Mesmo quando foi o próprio produtor que falou que “O personagem X vai ser o Fulano. Ele já fechou.”, o Fulano pode ser chamado para outro filme e preferí-lo, pode brigar com alguém da produção e abandonar o projeto, e até, dramatizando, morrer!

Já aconteceu comigo várias vezes... exceto o exemplo fatal. Ainda bem.

Meu conselho, então, é que você sempre escreva para um TIPO de ator. Por mais que cada um seja único à sua maneira, eles volta e meia se encaixam mais a um (ou mais) tipo(s) de personagem.

• Um personagem que requer um ator de comédia física. Leandro Hassum, Carioca, Katiuscia Canoro, Wagner Moura. 
• Um personagem que casa bem com um galã com uma pitada de canastrão. Murilo Benício, Lázaro Ramos, Rafael Infante, Andrea Beltrão, Wagner Moura. 
• Um personagem totalmente "out there", volume alto e ritmo acelerado. Tatá Werneck, Fabio Porchat, Edu Sterblitch, Ney Latorraca, Wagner Moura. 
• Um personagem minimalista/neurótico, quase clown. Selton Mello, Gregório Duvivier, Luis Lobianco, Wagner Moura. 
• O clueless atrapalhado. Marisa Orth, Dani Calabresa, Marco Nanini, Wagner Moura. 
• The womanizer jackass/princess bobona. Rodrigo Faro, Fernanda Souza, Tatso Carvalho, Bento Ribeiro, Wagner Moura. 
• O gente boa acima do bem e mal. Tony Ramos, Elias Gleizer, Hugo Carvana, Wagner Moura. 
• O honrável cidadão/cidadão com cicatrizes do tempo. Milton Gonçalves, Fernanda Montenegro...e Wagner Moura. 

E por aí vai.

O próprio exercício de pensar seu personagem assim, em adjetivos necessários de fora (ator/mundo real) pra dentro (personagem/mundo do seu roteiro) vai te ajudar a entendê-lo e desenvolvê-lo melhor. Hopefully, seu produtor também vai conseguir captar essa vibe (se você sentir que não, não se furte a fazer o diabinho da orelha e dar uma idéia nele) e, em caso de saída de ator previamente escolhido, vai escolher bem o seu substituto exatamente porque você escreveu para um tipo e não exclusivamente para uma pessoa. Claro; se o filme está prestes a filmar, vocês fizeram leitura de texto, a filmagem começa semana que vem... tente sim adaptar detalheszinhos de ritmo de diálogo e escolha de palavras para casar ainda mais com a pessoa em questão. Mas o nascimento do personagem não deve ser atrelado a ninguém especificamente, apenas generalizadamente.

O melhor disso é que, uma vez definido o tipo de pessoa que o personagem é, você pode botar nele a cara que quiser sem se frustrar, porque ele é um personagem que se encerra em si mesmo. A “face” dele é apenas uma face. E aí fica divertido! Já cansei de escrever personagens tendo como imagem visual o Jason Segel (love this guy), já coloquei a cara do Tony Ramos em um, do Doval, ex-jogador de futebol... uma vez, até o Mr. Pewterschmidt (o pai da Lois no desenho animado Family Guy) entrou na roda! Então nem o céu (nem a vida real ou até o fato da pessoa ser ator ou não) é o limite. Você pode “transformar” não-atores em candidatos ao Oscar e até “trabalhar” com grandes como Grande Otelo, Clint Eastwood, e, claro, Wagner Moura. É só se ater sempre ao tipo e não a pessoa especificamente. Go crazy!